Autor: farcom

Áurea Martins e Cristovão Bastos lançam o álbum ‘Amizade’ na próxima sexta-feira, 14 de novembro
Tyno Cruz / Divulgação
♫ OPINIÃO SOBRE ÁLBUM
Título: Amizade
Artistas: Áurea Martins e Cristovão Bastos
Cotação: ★ ★ ★ ★
♬ O lançamento do primeiro álbum da cantora Áurea Martins com o pianista Cristovão Bastos na próxima sexta-feira, 14 de novembro, encerra odisseia de sete anos.
Afinal, o disco ora editado pelo selo Garapa foi anunciado em 2018, viabilizado em março de 2020 com recursos obtidos através de financiamento coletivo – em processo interrompido dias após o início das gravações por conta do isolamento social imposto pela pandemia de covid-19 – e enfim retomado neste ano de 2025, para satisfação de quem aderiu à campanha e esperava receber o disco.
Entre março, abril e maio, a cantora e o pianista gravaram 10 músicas no estúdio Casa do Choro – Auditório Radamés Gnattali, no Rio de Janeiro (RJ), com direção musical e arranjos do próprio Cristovão Bastos.
Amizade é disco que oferece o que se espera dele. Aos 85 anos, com a voz já maturada na longa estrada, Áurea Martins se afina com o piano de Cristovão Bastos em atmosfera tradicional. Em bom português, cantora e pianista se irmanam na ambiência atemporal do samba-canção, gênero dominante no repertório do álbum Amizade.
Parceria de Bastos com Roberto Didio, Meus guardados (2025) é joia que reluz à meia-luz neste disco vocacionado para o tom interiorizado de músicas como o samba-canção Fale baixinho (Portinho e Heitor Carillo, 1959), pérola pescada no baú do cancioneiro brasileiro.
A propósito, a seleção do repertório valoriza o álbum Amizade. Se há obras-primas já exauridas pelo uso comum, casos do samba-canção Todo o sentimento (Cristovão Bastos e Chico Buarque, 1987) e do choro Doce de coco (Jacob do Bandolim, 1951, com letra posterior de Hermínio Bello de Carvalho, 1968), há lembranças sagazes como a de Vem hoje (Moacyr Silva e Antônio Maria, 1960), samba-canção do repertório da cantora Elizeth Cardoso (1920 – 1990), madrinha artística de Áurea Martins.
Do repertório de outra grande voz da era do rádio, Dalva de Oliveira (1917 – 1972), Áurea e Cristovão rebobinam o samba-canção Neste mesmo lugar (Klécius Caldas e Armando Cavalcanti, 1956) em gravação já apresentada em single editado em novembro de 2020. Naquela época, a valsa Amigo amado (Alaíde Costa e Vinicius de Moraes, 1973) e o samba Flor negra (Antonio Valente, Elton Medeiros e Cristovão Bastos) – composto em 1973 em homenagem a Pixinguinha (1897 – 1973), mas censurado e nunca registrado oficialmente em disco – estavam previstos no repertório do álbum Amizade.
Na seleção final, ambos acabaram dando vez a novidades como Noite de lua (2025), samba-canção de Cristovão Bastos com Roque Ferreira que realça a atmosfera noturna em que o disco está ambientado.
Filho de Cristovão Bastos, Miguel Rabello assina a produção musical do álbum Amizade com o letrista Roberto Didio. Juntos, Rabello e Didio também assinam Com você, terna canção adornada com a voz e o violão do próprio Rabello. Cantora tarimbada na noite carioca, Áurea Martins está quase sempre à vontade no disco porque sabe depurar as melancolias e melodramas de temas como Outra vez, nunca mais (Sueli Costa e Abel Silva, 2003). Áurea fala a língua do samba-canção.
Fora da atmosfera e do tom íntimos do álbum Amizade, Voz do samba (Cristovão Bastos e Roberto Didio) é samba que enaltece o próprio samba em gravação de notas mais elevadas que junta os cantos de Áurea Martins (em esforço heroico na faixa) e de Gabriel Cavalcante, uma das vozes que se fazem ouvir na roda gregária do Samba do Trabalhador.
Em que pese a beleza da música, Voz do samba quebra o clima de Amizade, álbum vocacionado para o escurinho das boates em que cantores, músicos e ouvintes destilam e refinam (des)amores e mágoas à meia-luz.
Capa do álbum ‘Amizade’, de Áurea Martins e Cristovão Bastos
Tyno Cruz

Ludmilla faz manobras com vocal à la Sza em disco de R&B
Título: “Fragmentos”
Artista: Ludmilla
Nota: 7/10
O jeito de cantar da Ludmilla mudou ao longo da carreira. Desde o primeiro álbum, “Hoje” (2014), a cantora evoluiu vocalmente, passou a lançar músicas mais exigentes e incluiu mais manobras com a voz em sua performance.
Essa mudança fica ainda mais clara em “Fragmentos”, álbum que Ludmilla lançou nesta quinta-feira (6). Nele, ela aparece mais versátil do que nunca em termos de voz. Em 15 músicas, brinca com transições entre graves e agudos, entre vocais mais suaves e imponentes e, acima de tudo, faz muitos melismas — quando uma única sílaba é cantada em várias notas diferentes.
Dá para notar a influência de nomes do pop conhecidos pela versatilidade e a ornamentação vocal, principalmente a da cantora americana SZA, que com seu álbum “SOS” (2022) definiu a cara do R&B pós-pandemia.
Capa do álbum ‘Fragmentos’, de Ludmilla
Divulgação
O R&B, que tem nesse estilo de canto uma de suas principais características, é o foco de Ludmilla no “Fragmentos”. Com o trabalho, a cantora quer fazer o gênero surgido nos Estados Unidos se tornar mais conhecido e incorporado ao pop brasileiro.
E o disco tem, sim, faixas com potencial para fazer isso acontecer. O mais forte, talvez, esteja em “Meu Defeito”, com letra viralizável sobre ciúmes e uma batida que equilibra bem as referências contemporâneas com o R&B dos anos 2000.
A nostalgia do início do século guia o conceito do disco. Nomes como Ne-Yo, Akon e Mariah Carey, líderes das paradas nessa época, se fundem à lembrança do R&B romântico cantando em português de Sampa Crew e Adryana e a Rapaziada, que também bombavam no Brasil.
Canções de amor como “Whisky com Água de Choro”, “Cheiro de Despedida” e “A Pior Parte” tentam trazer para a atualidade as batidas suaves daquele período, mas precisavam de melodias mais marcantes para evitar a sensação de estar ouvindo a mesma música várias vezes.
Por causa disso, o “Fragmentos” começa arrastado, demora para engrenar, mas melhora bastante a partir de “Coisa de Pele”, uma boa mistura de R&B com pagode.
Na segunda metade, o disco empolga ao incluir novas camadas de ritmos. O funk brasileiro e elementos do trap psicodélico de Travis Scott aparecem na sequência de “Cam Girl” (com Victoria Monét), “Calling Me” (com Luísa Sonza), “Energy” (com Ajuliacosta e Duquesa) e “Bota” (com Latto) — a última, com batida industrial e sombria, voz distorcida e letra proibidona, é um dos melhores funks da carreira de Ludmilla.
Apesar de irregular, o “Fragmentos” é o álbum de estúdio mais interessante da cantora. Diferentemente de trabalhos anteriores, tem conceito e propósitos claros. E tudo é suficientemente bem executado para manter Ludmilla no primeiro escalão do pop brasileiro.
Ludmilla durante show no The Town 2025
Fábio Tito/g1

Vince Gilligan, criador de ‘Breaking Bad’, completa ciclo em ‘Pluribus’
Quando começou a escrever sua nova série de ficção científica, “Pluribus”, o criador de “Breaking Bad” e “Better call Saul” partiu de um conceito um tanto simples.
“A ideia de uma mulher que é a pessoa mais triste do mundo e que decide que ela precisa salvar o mundo da felicidade me interessou”, conta Vince Gilligan em entrevista ao g1.
“Eu meio que vou aonde a personagem me leva. E eu bolei esse personagem. Originalmente, ia ser um ele, ao invés de uma ela. Eu comecei a bolar essa série cerca de oito anos atrás.”
A mudança de gênero da protagonista foi motivada pela relação que o criador começava a construir com a atriz Rhea Seehorn durante as filmagens de “Better call Saul”.
“Eu pensava: ‘Uau. Ela é muito boa. Talvez eu devesse pegar essa série sobre um cara e transformar em uma sobre uma mulher e Rhea poderia interpretá-la’. E foi mais ou menos assim que ela foi concebida”, conta o americano de 58 anos e sotaque sulista carregado.
Os dois primeiros episódios estreiam na plataforma de streaming Apple TV nesta sexta-feira (7). O resto da temporada, que terá nove capítulos no total, será lançado semanalmente.
Rhea Seehorn em cena de ‘Pluribus’
Divulgação
Entre o mistério e a expectativa
As expectativas por “Pluribus” eram grandes desde o anúncio da série, ainda em 2022. Era, sim, o primeiro projeto de Gilligan fora do universo criado por “Breaking Bad”, considerada por muitos como uma das melhores séries da história da TV americana – senão a melhor.
Além disso, o projeto sempre esteve envolvido em muito mistério. Tanto que pouco se sabia sobre a trama ou sobre o papel de Seehorn até este ano.
O primeiro teaser, lançado em julho após anos sem grandes novidades, mostrava apenas uma sala escura, na qual uma mulher lambia com cuidado todas as rosquinhas de uma caixa comunitária ao som de uma trilha sinistra.
Pode parecer pouco, mas faz sentido logo no primeiro episódio – que mistura tensão e comédia, como os melhores momentos das desventuras de Walter White. Com talvez um pouco mais de leveza.
‘Ciclo completo’
“Pluribus” também atraiu atenção por se tratar de um retorno de Gilligan à ficção científica, gênero que deu início à sua carreira. “Meio que um retorno às origens”, como ele mesmo define.
Ele era apenas um fã de uma série nova, quando decidiu escrever o roteiro de um episódio e enviar para o estúdio. Os executivos gostaram e a história virou um episódio da segunda temporada.
Com o tempo, ele foi contratado e se tornou um dos produtores-executivos. Já a série se tornou uma das mais importantes da TV americana nos anos 1990.
“Realmente parece um ciclo completo. Eu me diverti tanto por sete anos escrevendo para ‘Arquivo X’. Foi um trabalho ótimo. Eu digo às pessoas, com meio que um sorriso, que foi um segundo lugar bem próximo em relação a trabalho favorito de todos os tempos”, afirma ele.
“Amei escrever diálogos para Gillian Anderson e David Duchovny. Amei todo esse pessoal. E eu aprendi como criar para a TV nos sete anos nesse trabalho.”
Rhea Seehorn em cena de ‘Pluribus’
Divulgação
A mulher mais triste do mundo
Pela sua atuação como a advogada competente, que aos poucos se entrega às picaretices do protagonista de “Better call Saul”, Seehorn recebeu duas indicações ao Emmy.
Agora aos 53 anos, a atriz americana assume o papel de uma escritora um tanto rabugenta, infeliz com seu trabalho, que decide salvar o planeta após uma mudança profunda no status quo.
“Eu acho que o coração dela está no lugar certo, muito mais do que o de Walter White estava. E eu gosto de assistir a ela tentando salvar o mundo. Ela não está tentando ser uma heroína para ficar bem na foto”, afirma Gilligan.
“Ela quer ser uma heroína muito contra a própria vontade, de uma forma relutante, para fazer um mundo melhor, mas ela deseja que fosse outra pessoa a fazer isso.”
Seehorn não se importa se vão gostar de Carol. Para a atriz, a protagonista serve como um ponto de identificação para o público dentro de uma trama completamente absurda.
“Tem perguntas difíceis como essa, do tipo: ‘como sair da cama quando tudo o que aconteceu com ela aconteceu com ela’. Mas ela sai. Um centímetro de cada vez. Às vezes, ela para no bar no caminho, mas, mesmo assim, ela ainda se levanta”, brinca ela.
“Quem não se identifica com um momento na vida em que você está correndo gritando: ‘O celeiro está pegando fogo’? E todo mundo diz que está tudo bem e você deveria tomar brunch. E você, tipo: ‘O celeiro está pegando fogo’.”
“São todos esses momentos que o Vince colocou ali que eu acho que trazem (o público) de volta à história.”
Rhea Seehorn em cena de ‘Pluribus’
Divulgação

Por que séries nacionais sobre criminosos têm feito tanto sucesso?
No quesito séries nacionais, este ano foi marcado por histórias do crime. As produções brasileiras sobre criminosos (tanto as fictícias, como “Dias Perfeitos” e “Os Donos do Jogo”, quanto inspiradas em histórias reais, como “Tremembé”) dominaram as listas das obras mais assistidas nos streamings e, claro, as discussões nas redes sociais. Entenda por que séries brasileiras sobre criminosos conquistaram tanto interesse:
Curiosidade pelo crime
Quando falamos em obras sobre crimes, uma explicação para todo o interesse é que o assunto simplesmente rende fascínio.
A gente quer entender e aprender a identificar a personalidade de um criminoso: o que leva uma pessoa a cometer um crime? Como isso muda a vida dela e das pessoas envolvidas? É uma curiosidade bastante comum.
Série nacional ‘Tremembé’ conta a história da ‘prisão dos famosos’
Divulgação/Prime Video
O formato das séries também ajuda. Há nessas obras um teor altamente viciante, que mantém o público engajado em uma época de séries “maratonáveis”. Até mesmo quando o criminoso já é conhecido, há o desafio de descobrir como ou por que o crime aconteceu. Ou, ainda, como os envolvidos lidam com a situação.
Mas não é só a curiosidade, exatamente, que motiva o encanto por obras sobre crime. Um estudo de 2010 da Universidade de Illinois indica que mulheres são mais atraídas pelo gênero do que homens – interessadas por histórias que mostram como as vítimas (em especial, as femininas) fugiram e o que leva os criminosos a agirem dessa forma.
Mas por que é a vez das produções nacionais?
Produções sobre criminosos sempre existiram, mas não é a mesma coisa assistir às obras gringas tipo “Silêncio dos Inocentes” ou “Making a Murderer”. Porque crime é uma coisa que a gente entende ao estudar a realidade daquele lugar.
Então, por mais que a gente assista às produções americanas sobre o tema, elas nunca vão conseguir explicar totalmente a realidade do crime no Brasil. Desde a origem dos criminosos até a investigação e a punição, as coisas são bem diferentes por aqui em comparação com os Estados Unidos.
“Dias Perfeitos”, série Original Globoplay
Divulgação
Não à toa, “Linha Direta” se tornou um clássico brasileiro; “Vale o Escrito” foi uma das obras nacionais mais comentadas nos últimos anos. São vários casos cujo contexto e história só são explicados pelo prisma da cultura brasileira.
Outro aspecto daqui é que o Brasil tem um histórico de muita mídia em torno de alguns crimes: o caso Eloá, por exemplo, ficou marcado por ser indissociável de sua cobertura jornalística.
Lindemberg é um dos personagens retratados em “Tremembé”, série que atrai interesse prévio por falar de criminosos famosos. Figuras como Suzane von Richthofen e Elize Matsunaga, retratadas na obra, também são altamente midiáticas e têm histórias nebulosas por trás dos crimes. A própria entrevista de Suzane ao apresentador Gugu é parte da narrativa.
O interesse pela série mostra que, para além das violências que praticaram, o público quer entender quem são aquelas pessoas, sejam elas de verdade ou não.
Enquanto fizer parte da vida e das notícias no Brasil, o crime brasileiro dificilmente vai deixar de ser atraente como tema de séries. Se está no dia a dia, se torna parte da mídia e do nosso imaginário coletivo. E então, fica inevitável se interessar por temas assim.

“Predador: Terras Selvagens”, que chegou aos cinemas nesta quinta-feira (6), traz uma proposta que ainda não tinha sido feita até então na franquia iniciada em 1987. A ideia é contar uma história estrelada pela raça de alienígenas caçadores, sem personagens humanos e que expanda o universo desses seres com elementos inéditos para o grande público.
O resultado é um filme interessante na sua forma, com bons elementos de ação e aventura, mas também com um toque de sentimentalismo inesperado que pode dividir opiniões, especialmente entre os que curtem a franquia.
Assim, o espectador é apresentado aos Yautja, um clã de predadores, que vivem num planeta remoto. Um deles é Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatang), que é considerado fraco e inferior aos outros — e é banido pela família. Para recuperar sua honra, ele parte para o perigoso e hostil planeta Genna, com o objetivo de matar uma terrível criatura, o que o faria ganhar respeito no clã.
Assista ao trailer do filme “Predador: Terras Selvagens”
No meio da caçada, ele encontra Thia (Elle Fanning), uma robô de alta tecnologia que ficou sem pernas após um ataque. Os dois formam uma aliança para sobreviver aos perigos do planeta e obter o que desejam. Mas algumas coisas inesperadas surgem em seus caminhos.
Universo perigoso e incrivelmente realista
O que salta aos olhos em “Predador: Terras Selvagens” é o cuidado de seus realizadores para expandir o universo dos predadores de maneira convincente. Assim, boa parte das cenas é feita a céu aberto, o que dá mais autenticidade que ambientes fechados de estúdio. Além disso, os efeitos visuais conseguem deixar as criaturas alienígenas bem realistas, como se elas fossem de verdade.
Um bom exemplo disso está nos seres que o protagonista encontra em sua jornada, que tem peso, textura, volume e outros elementos que ajudam a criar a sensações de realidade e perigo. O filme mostra que um pequeno animal pode ser, na verdade, uma arma explosiva, o que aumenta o risco para o predador.
Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi, de costas) enfrenta criaturas terríveis em ‘Predador: Terras Selvagens’
Divulgação
Também chama a atenção os rituais e os códigos de honra que os personagens apresentam, aliados aos que já eram conhecidos pelos fãs.
O mérito disso está na boa direção de Dan Trachtenberg, que não é novato nesse universo. O cineasta, também conhecido por “Rua Cloverfield, 10”, foi o responsável por “O Predador: A Caçada” (2022, disponível na Disney+), que conquistou muitos admiradores, além da animação “Predador: Assassino de Assassinos” (2025, também na Disney +). O diretor realiza boas cenas de ação e trabalha bem as referências tanto de “O Predador” quanto de “Alien”. Ele colocou a franquia de volta aos eixos depois do desastroso “O Predador”, de 2018.
Caçador de bom coração
O único “porém” é o fato do protagonista se mostrar mais sentimental do que os outros de sua raça. O filme tira de Dek, aos poucos, a dureza de seu comportamento e passa a se importar com os que estão ao seu redor, algo que nunca foi apresentado com tanta intensidade na franquia quanto neste filme.
Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) tem uma difícil missão em ‘Predador: Terras Selvagens’
Divulgação
Por isso, parte do público pode torcer o nariz ao ver Dek tomando decisões mais “humanas” no decorrer da trama. Ele chega a abrir mão de alguns de seus objetivos para ajudar, por exemplo, a androide Thia. Para quem sempre gostou do estilo casca-grossa da raça do alienígena assassino, fica realmente estranho ver sua selvageria bastante amenizada. O estranhamento acaba se tornando, infelizmente, inevitável.
Outra questão complicada é o surgimento de momentos cômicos e até fofos à medida que a história avança. Embora eles sejam bem realizados e cumpram os seus objetivos, essa inusitada leveza soa fora do tom da série de filmes que se caracterizou por ação e suspense. Mas o roteiro, assinado por Patrick Aison, ousa em colocar cenas que despertam mais risos do que tensão, o que pode não funcionar muito bem para parte do público.
Adorável Androide
Uma das grandes responsáveis por essa leveza em “Predador: Terras Selvagens” é a robô Thia, vivida com gosto por Elle Fanning. A atriz convence como a androide tagarela e sensível, que vai, aos poucos, amolecendo o coração de pedra de Dek e mostra uma boa sintonia com seu parceiro de lutas. E essa química era importante porque, em boa parte do filme, apenas ela e o predador dividem a cena. Se eles não convencessem, o longa poderia não funcionar.
Thia (Elle Fanning) encara Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) numa cena de ‘Predador: Terras Selvagens’
Divulgação
Fanning se mostra boa para fazer comédia e ação, apesar do excesso de falas dela em alguns momentos. Ela também interpreta outra personagem. Seria um spoiler revelar quem é. Mas o que dá para apontar é que a atriz consegue construir bem as personalidades distintas das duas.
Já Dimitrius Schuster-Koloamatang se sai bem com o difícil trabalho de atuar debaixo da pesada maquiagem e ter que falar o tempo todo o idioma do alienígena. Mesmo com as próteses e lentes do personagem, o ator conseguiu transmitir o que Dek sente, em especial numa cena do início do longa.
Embora não seja o melhor da franquia (posto este que ainda pertence ao primeiro filme, de 1987), “Predador: Terras Selvagens” acerta ao dar mais detalhes sobre o universo dos ETs matadores. Só poderia parecer menos um filme da Disney (que produziu o longa, através da 20th Century Studios) e ter um pouco mais de intensidade.
Ainda assim, pode ser que, nos próximos anos, fique mais interessante por sua ligação com “Alien”. Basta apenas caprichar um pouco mais e trazer de volta aquela tensão que todo mundo quer sentir quando o Predador aparece. Na telona ou na telinha.
Cartela resenha crítica g1
Arte/g1

Capa do álbum ‘Uma ode a Dorival Caymmi’, de Adriano Grineberg
Sheila Oliveira
♫ NOTÍCIA
♬ Canção da lavra praieira do compositor Dorival Caymmi (30 de abril de 1914 – 16 de agosto de 2008), A jangada voltou só (1941) emerge em gravação em que a voz e a flauta de Danilo Caymmi revolvem as profundezas do mar.
A gravação abre Uma ode a Dorival Caymmi, álbum em que o cantor e pianista Adriano Grineberg aborda sete músicas do cancioneiro deste compositor que, partindo da Bahia natal, desbravou mares na música do Brasil do século XX, transitando com naturalidade e requinte por canções praieiras, sambas buliçosos e sambas-canção.
Danilo Caymmi integra o luxuoso time de convidados do álbum programado para ser lançado na próxima sexta-feira, 14 de novembro, com capa criada por Sheila Oliveira com cores vivas que contrastam com a atmosfera bluesy do disco.
Adriano Grineberg (voz, piano, órgão Hammond M3, Fender Rhodes, teclados, escaleta e kazo) arregimentou músicos como o baixista Fábio Sá e os guitarristas Edu Gomes e Fabá Jimenez para registrar canções como O bem do mar (1954) e sambas como Maracangalha (1956).
Contudo, são os convidados que mais sobressaem na ode de Grineberg a Caymmi. Carregada de ancestralidade afro-brasileira, a voz de Lazzo Matumbi aviva e encorpa Samba da minha terra (1940) em gravação que cai no suingue do órgão Hammond de Grineberg.
Percutindo um tambor oceânico que produz sons dos mares, Grineberg percorre os caminhos melódicos de Quem vem pra beira do mar (1954) com delicadeza condizente com a suavidade do canto de Alaíde Costa, convidada da gravação valorizada pela bela harmonização das vozes dos intérpretes.
Estranho no ninho marítimo de Caymmi, Nasi aparece na ode ao compositor como cantor convidado da Canção da partida (1957), tema da suíte Histórias de pescadores.
O registro de Adeus (1948) encerra o álbum Uma ode a Dorival Caymmi em tom bluesy recorrente em parte deste disco que completa o ciclo de tributos de Adriano Grineberg ao compositor baiano, movimento iniciado no ano passado com a edição de Eufótico (2024), álbum dedicado às canções praieiras do mestre Dorival.
Adriano Grineberg lança o álbum em tributo a Dorival Caymmi na próxima sexta-feira, 14 de novembro
Júlia Magalhães / Divulgação
Dorival Caymmi (1914 – 2008) tem sete músicas abordadas por Adriano Grineberg em álbum que traz o filho do compositor, Danilo Caymmi, entre os convidados
Divulgação

Imagem de divulgação de GTA VI.
Reprodução/Rockstar Games
A Take-Two Interactive adiou o lançamento de “Grand Theft Auto VI” (GTA VI) para 26 de maio de 2026, prolongando a espera por um dos títulos mais aguardados da história dos videogames. O anúncio fez com que ações da empresa caíssem 9% nas negociações de pré-mercado.
Desenvolvido pela Rockstar Games, o jogo estava inicialmente previsto para o segundo semestre de 2025.
A franquia é a joia da coroa no portfólio da Take-Two, representando uma parte significativa da receita da empresa e do engajamento dos jogadores. As expectativas para o novo título já vinham sendo consideradas nas projeções de Wall Street há meses.
Assista ao trailer de ‘GTA 6’
Analistas estimam que o jogo será um sucesso imediato, com vendas de bilhões de dólares ao ano. O título anterior, “Grand Theft Auto V”, lançado em 2013, vendeu mais de 200 milhões de cópias, tornando-se um dos games mais vendidos de todos os tempos.
Com o adiamento, o lançamento de “GTA VI” sairá da janela do ano fiscal de 2026 da Take-Two e passará para 2027, o que provavelmente reduzirá as projeções de receita para o próximo ano fiscal.
Também se esperava que o novo jogo fosse um dos principais motores de crescimento da indústria de videogames em 2025, após a desaceleração vivida pelo setor com o fim do pico registrado durante a pandemia.
O adiamento ocorre ainda em um contexto de incerteza econômica, já que as tarifas dos EUA aumentaram os preços dos consoles e provocaram uma retração nos gastos dos consumidores — afetando as perspectivas de vendas de diversas editoras.
Cursos de ‘IA do job’ prometem dinheiro e ensinam a usar fotos de modelos sem autorização
Influenciadora viraliza ao simular parto de bebê Reborn
Brasileiros treinam inteligência artificial para abordar temas como racismo e nazismo

Maria Bethânia volta ao palco da casa Vivo Rio, em 17 e 18 de janeiro, para gravar o show ’60 anos de carreira’
Rodrigo Goffredo
♫ NOTÍCIA
♬ Foi na cidade do Rio de Janeiro (RJ) que, em fevereiro de 1965, Maria Bethânia deu o pontapé decisivo na carreira ao substituir a cantora Nara Leão (1942 – 1989) no espetáculo Opinião (1964 / 1965). Pois será na mesma cidade, onde a cantora baiana reside desde a segunda metade da década de 1960, que Bethânia fará o registro audiovisual do show 60 anos de carreira.
Duas novas datas da turnê foram anunciadas hoje, 6 de novembro, exatos dois meses após a estreia da turnê na casa Vivo Rio, no Rio de Janeiro (RJ), em 6 de setembro.
Maria Bethânia voltará ao palco do Vivo Rio, em 17 e 18 de janeiro de 2026, para a captação do show em que, com sonoridade renovada, entra no mar bravio das paixões, transitando com requinte entre os ares do Brasil caboclo e os gases urbanos das metrópoles.
As duas datas foram anunciadas como as últimas da curta turnê que já passou por São Paulo (SP), aportará em Salvador (BA) em 15 e 16 de novembro. Se de fato o show 60 anos de carreira sair de cena em janeiro de 2026, a turnê será a mais curta da longa e luminosa trajetória da intérprete nos palcos.

Veja o trailer de ‘Michael’, cinebiografia sobre Michael Jackson
O filme “Michael”, estrelado por Jaafar Jackson (sobrinho do cantor), ganhou o primeiro trailer nesta quinta (6). A cinebiografia mostrará a trajetória do cantor, desde o início no Jackson 5, até se tornar o Rei do Pop.
A produção do filme teve início em 2023, mas a data de estreia ainda não foi divulgada.
Além de Jaafar, o elenco inclui ainda Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller e Colman Domingo.
O roteirista de “Michael” é John Logan, indicado ao Oscar três vezes, por “Hugo” (2011), “O Aviador” (2004) e “Gladiador” (2000). A direção é de Antoine Fuqua ( “Dia de treinamento” (2001) e “O protetor” (2014)).
Intérprete do rei do pop, Jaafar tem 29 anos e é filho de Jermaine Jackson, terceiro irmão mais velho de Michael, que foi membro dos Jacksons 5. Ele também é cantor desde os 12 anos.
Em 2019, o g1 entrevistou Jaafar quando ele veio gravar o clipe de “Got me Singing”, no Morro do Vidigal, no Rio. Ele disse não ligar para comparações com o tio.
Na época, ele também conta que ouviu Anitta para criar as batidas de sua primeira música e relembra com carinho dos tempos que passou em Neverland com seus primos e o rei do pop.
Filme “Michael”
Reprodução/YouTube
Jaafar Jackson como Michael Jackson em cinebiografia
Reprodução/Instagram

Tyka virou ícone fashion na internet depois de viralizar no Tiktok
Reprodução/Redes Sociais
Tika the Iggy, uma galguinha italiana de Montreal, no Canadá, que conquistou milhões de fãs nas redes sociais com seus looks estilosos e cheios de atitude, morreu aos 14 anos. A notícia foi anunciada nesta terça-feira (5) por seus tutores, Thomas Shapiro e Louis, nas contas oficiais da cachorrinha.
Com mais de 1,6 milhão de seguidores no Instagram e 3,1 milhões no TikTok, Tika se tornou um verdadeiro ícone da moda pet. Foi chamada pela Vogue de “a nova It girl da moda” e apelidada pelo influenciador e fotógrafo de pets The Dogist de “Anna Wintour dos cachorros” — em referência à editora-chefe da revista, símbolo máximo do mundo fashion.
Ao lado de uma irmã pet, a cachorrinha compartilhava seus itens ousados e coloridos. Em setembro, chegou a participar da Semana de Moda de Nova York, evento que frequentava com frequência — sempre chamando atenção pelos figurinos.
Tika havia sido diagnosticada com tumores no fígado e passou por uma cirurgia para removê-los, mas não resistiu às complicações da doença.
“Ela me ajudou a passar por momentos muito difíceis, e recebi muitas mensagens ao longo dos anos de pessoas dizendo que ela também as ajudou em tempos difíceis. No fim das contas, um cachorro usando roupa é algo bem bobo, mas é divertido”, disse um de seus tutores em entrevista ao The Dogist.
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