Autor: farcom

João Gomes lança o álbum ‘Pé de serrita’
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♫ OPINIÃO SOBRE DISCO
Título: Pé de Serrita
Artista: João Gomes
Cotação: ★ ★ ★ 1/2
♬ Em 1986, no auge do império das baladas adocicadas criadas dentro do padrão radiofônico FM por compositores hitmakers como Michael Sullivan e Paulo Massadas, uma então esquecida cantora carioca que despontara nos anos 1960, Adriana, irrompeu com força nas paradas a reboque de uma canção de autoria de Gilson e Joran. Intitulada, I love you baby a canção se tornou um dos grandes sucessos nacionais do biênio 1986 / 1987.
Curiosamente, a canção foi pouco regravada, tendo ganhado somente um registro fonográfico da dupla Régis & Raí em 1997. Daí a surpresa de ver I love you baby reaparecer, na cadência do xote, em gravação feita por João Gomes com a participação de Pablo para o álbum audiovisual Pé de Serrita. O sucesso de Adriana foi gravado por Gomes em medley com hit do grupo de pagode Os Travessos, Vou te procurar (Billy SP e Isabeh, 2001).
Lançado hoje, sexta-feira, 12 de setembro, o álbum joga com as palavras no titulo Pé de Serrita, aludindo ao termo pé de serra – usado como adjetivo para caracterizar um estilo de forró mais tradicional, calcado no toque da sanfona, do triângulo e da zabumba – enquanto cita o nome de Serrita (PE), município do sertão pernambucano em que vive a avó de Gomes e onde o artista viveu parte da infância, ouvindo a música nordestina.
Foi no terreiro da casa da avó que o cantor gravou o show que deu origem ao disco ao vivo. Com 16 músicas em 10 faixas, o álbum Pé de Serrita mostra que Gomes, mesmo alinhado com o tempo atual do forró, é também um dos muitos herdeiros de Luiz Gonzaga (1912 – 1989), evocado pela bela voz grave do jovem ídolo do piseiro e pelo chapéu de vaqueiro usado pelo cantor.
Se não rebobinasse hits recentes do artista pernambucano, como Eu tenho a senha (João Gomes, 2021), o álbum Pé de Serrita soaria mais coeso. Mas, verdade seja dita, ficou boa a transposição de Palácios e castelos (Levi Lima, 2011) – música lançada por Luan Santana e também gravada pela banda Jamil – e é justo reconhecer que o disco é bom, no todo, por destilar o romantismo e a melancolia que pulsam nos corações de vaqueiros e caminhoneiros.
Aliás, um dos destaques do álbum Pé de Serrita é o medley que une João Gomes e João Bandeira – veterano cantor e sanfoneiro cearense, também ele um discípulo de Luiz Gonzaga – no canto de Solidão de um caminhoneiro (Ademir Rodrigues e Almir Santos, 1995), Pra não morrer de tristeza (João Silva e K-Boclinho, 1965) e Sabiá (Luiz Gonzaga e Zé Dantas, 1951), sucesso autoral do seminal Gonzagão.
Enfim, João Gomes faz voo seguro nessa volta para a casa da avó e do forró.
Capa do álbum ‘Pé de Serrita’, de João Gomes
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Pixinguinha e Lupicínio Rodrigues foram declarados patronos da MPB
Reprodução
Os compositores Pixinguinha e Lupicínio Rodrigues foram oficialmente declarados como os patronos da Música Popular Brasileira (MPB) por meio de uma lei sancionada pelo presidente Lula e publicada no Diário Oficial da União na edição desta sexta-feira (12).
A decisão havia sido decretada pelo Congresso Nacional.
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Pixinguinha em 1965 no centro da cidade do Rio de Janeiro (RJ)
David Drew Zingg / Acervo IMS
Alfredo da Rocha Vianna Filho, o Pixinguinha, era compositor, arranjador, maestro e considerado um dos pilares da música brasileira.
Nascido no Rio de Janeiro em 1897, Pixinguinha conheceu a música dentro de casa, no Rio de Janeiro. Era o filho mais novo de 13 irmãos, todos músicos. Também tinha o pai músico. Já moço, como flautista do grupo “Oito Batutas”, rodou o Brasil. Em 1922, o grupo se apresentou na França com imenso sucesso.
Ele morreu em 1973, deixando canções como “Carinhoso”, “Rosa” e “Cochichando”.
Lupicínio Rodrigues (1914 – 1974) em imagem de documentário sobre o compositor gaúcho
Reprodução / Vídeo
Lupicínio Rodrigues nasceu em Porto Alegre em 1914 e cantor o sofrimento por amor. Chegou a morar alguns meses no Rio de Janeiro, mas o músico viveu as histórias das músicas que compunha mesmo na capital gaúcha.
É autor de “Nervos de Aço”, “Esses moços” e “Loucura”.
Além dos amores e da boemia, Lupicínio amava também o Grêmio. Ele é o autor do hino do clube. Lupicínio morreu em 1974.

A um mês do show no The Town, os Backstreet Boys falam ao Fantástico
O The Town 2025 recomeçará nesta sexta-feira (12) com uma programação liderada pelos Backstreet Boys, uma das boy bands mais bem-sucedidas da história da música.
O quinteto americano tem mais de trinta anos de carreira. Veio ao Brasil pela última vez em 2023, quando se apresentou em São Paulo, Curitiba e Belo Horizonte. No palco, AJ, Howie, Nick, Kevin e Brian cantarão sucessos como “I Want It That Way”, “Everybody” e “As Long as You Love Me”, repetindo as coreografias que se tornaram mania entre os anos 1990 e 2000.
Os cinco integrantes do Backstreet Boys
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O pop dançante, aliás, estará presente na maioria dos shows desta sexta. O americano Jason Derulo levará seu repertório sensual, influenciado pelo R&B, com os hits grudentos “Talk Dirty”, “Wiggle” e “Swalla”.
Ceelo Green, cantor dos Estados Unidos, vencedor de cinco prêmios Grammy, e a banda brasileira Jota Quest completam a lista de atrações do Palco Skyline.
No Palco The One, o foco será o pop nacional, com shows de Luísa Sonza, Pedro Sampaio, Duda Beat e Di Ferrero. O vocalista do NX Zero fará uma performance inédita, com homenagens a nomes como Justin Timberlake, Harry Styles e Freddy Mercury.
Outros destaques na programação são o carioca TZ da Coronel e a baiana Duquesa, dois nomes do rap, e o coletivo americano de jazz Snarky Puppy.
O The Town começou no último sábado (6). O primeiro fim de semana teve shows de Travis Scott, Matuê, Don Toliver, Green Day, Capital Inicial, Iggy Pop, entre outros artistas. O festival segue até domingo (14).
Veja abaixo a programação do 2º fim de semana do The Town 2025:
📅 Dia 12 de setembro (Sexta-feira)
Palco Skyline
15h40 – The Flight
15h50 – Jota Quest
18h10 – CeeLo Green
20h30 – Jason Derulo
23h15 – Backstreet Boys
Palco The One
14h40 – Di Ferrero
17h00 – Duda Beat
19h20 – Pedro Sampaio
21h55 – Luísa Sonza
The Tower
01h05 – Dubdogz
Palco Quebrada
15h55 – Batalha da Aldeia – Superliga The Town
18h15 – Duquesa
20h35 – Kayblack
Palco Factory
13h00 – Kaê Guajajara
14h45 – Brô MCs
17h05 – Alee
19h25 – TZ da Coronel
São Paulo Square
14h00 – SP Square Big Band
17h10 – SP Square Big Band com Alaíde Costa & Claudette Soares
19h30 – Leo Gandelman
22h05 – Snarky Puppy
📅 Dia 13 de setembro (Sábado)
Palco Skyline
15h40 – The Flight
15h50 – Natasha Bedingfield
18h10 – Jessie J
20h30 – Ivete Sangalo
23h30 – Mariah Carey
Palco The One
14h40 – Os Garotin convida Melly
17h00 – Priscila convida Luccas Carlos e The Ghetto Heart Choir
19h20 – Gloria Groove
21h55 – Lionel Richie
The Tower
01h20 – Liu
Palco Quebrada
15h55 – Batalha da Aldeia – Superliga The Town
18h15 – Péricles convida Dexter
20h35 – Criolo
Palco Factory
13h00 – Stefanie
14h45 – Chefin
17h05 – MC Livinho
19h25 – Junior
São Paulo Square
14h00 – SP Square Big Band
17h10 – SP Square Big Band com Annalu & Ricardo Arantes
19h30 – Vanessa Moreno
22h05 – Jacob Collier
📅 Dia 14 de setembro (Domingo)
Palco Skyline
15h40 – The Flight
15h50 – Iza
18h10 – J Balvin
20h30 – Camila Cabello
23h15 – Katy Perry
Palco The One
14h40 – Jota.Pê convida João Gomes
17h00 – Joelma convida Dona Onete, Gaby Amarantos e Zaynara
19h20 – Dennis DJ convida Tília
21h55 – Ludmilla
The Tower
01h05 – ANNA
Palco Quebrada
15h55 – Batalha da Aldeia – Superliga The Town
18h15 – Orquestra Sinfônica de Heliópolis
20h35 – Belo
Palco Factory
13h00 – Felipe Cordeiro
14h45 – Lambateria Baile Show convida Lia Sophia
17h05 – Rachel Reis
19h25 – Geraldo Azevedo convida Juliana Linhares
São Paulo Square
14h00 – SP Square Big Band
17h10 – SP Square Big Band com Amanda Maria
19h30 – João Bosco Quarteto
22h05 – Jacob Collier
Veja a estrutura do The Town 2025

Backstreet Boys no The Town: 5 motivos para ter uma ‘boy band’ no topo de um line-up
Pela primeira vez em quase 25 anos, uma boy band será headliner de um grande festival brasileiro. Os Backstreet Boys são a atração principal do The Town no dia 12 de setembro.
O quinteto americano tem mais de trinta anos de carreira. Veio ao Brasil pela última vez em 2023, quando se apresentou em São Paulo, Curitiba e Belo Horizonte — shows em arenas e estádios, prova de que a força de AJ, Howie, Nick, Kevin e Brian vai um pouco além de mera nostalgia.
Mas não foi sempre assim. Eu vi as boy bands serem (muito) ridicularizadas. O auge desse preconceito veio no fim dos anos 90, quando o rock de Limp Bizkit, Korn e outras bandas entre o new metal e o rap rock fizeram do desprezo às boy bands uma espécie de “atitude de rebeldia”.
Nos festivais daqueles tempos, especialmente no Woodstock 99, a imagem dos garotos que cantavam sobre amor era usada como piada. Aquela hostilidade era o retrato de uma cultura que valorizava a agressividade masculina e olhava com desdém para qualquer artista ou produto com público predominantemente feminino.
Os Backstreet Boys em foto recente e em imagem da fase ‘Millennium’, de 1999
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Dez anos depois, isso voltaria a acontecer com os filmes da saga “Crepúsculo”, achincalhados não por serem ruins, mas por serem um produto associado principalmente a jovens mulheres.
No Brasil, as boy bands também lidaram com insultos e penaram para conseguir vagas em line-ups de festivais. Em 1991, o Rock in Rio recebeu o New Kids On The Block. A escalação da boy band naquela edição do Maracanã não pegou nada bem entre a maioria roqueira fã do festival. A banda também não ajudou: o show foi mambembe, com coreografias e playback mal ensaiados.
Em fevereiro de 2000, foi a vez da boy band Westlife ser atração principal de um dos dias do Festival de Verão de Salvador. O grupo irlandês apresentou versão reduzida do show da turnê mundial “Dreams Come True Tour”, apelidada de “The No Stools Tour” (A Turnê Sem Banquinhos), por conta da fama de se apresentar sentada em banquinhos.
Em 2001, o Rock in Rio viveu o dia mais “Pop in Rio” de sua história. Britney Spears, NSYNC e Sandy & Junior se apresentaram. A reação negativa foi parecida: bases pré-gravadas, coreografias e um público adolescente foram motivos para ridicularizar aquela edição.
Quem mais sofreu, porém, foi Britney: parte do público vaiou quando a dublagem em uma das músicas ficou óbvia (“Lucky”) e foi possível ouvi-la xingando a produção após perrengue ao trocar de figurino. O show do NSYNC passou meio em branco e, no fim, quem saiu vencedor naquela noite foi Sandy & Junior, com um show superintenso, considerado bem menos artificial do que os das outras atrações.
Em turnê na China, em 2013, os integrantes do Backstreet Boys posam com filhotes de ursos panda gigante
Reuters/Stringer
Foi a partir daquela edição que o Rock in Rio começou a virar não apenas um festival, mas também um parque temático. Essa ideia de ir além da música surgiu em 2001, muito por conta do dia de sons adolescentes.
Roberta Medina, executiva do festival carioca e do The Town, já lembrou ao g1 que o perfil do público que foi ver aquele dia pop era muito jovem. E eles pareciam querer mais do que meia dúzia de shows.
“Com aquele dia em 2001, começamos a enxergar que a gente podia acolher outro público”, explicou Roberta. “A evolução da Cidade do Rock e os investimentos dos últimos anos trouxeram mudanças no comportamento da plateia e do perfil de público.”
Roberto Medina, criador dos dois eventos, também falou ao g1 sobre a diversidade das atrações que sempre esteve presente nos line-ups do Rock in Rio e do The Town. “A escolha das atrações não é só minha, ela é baseada em pesquisas e no que o público deseja”, ele explicou. “Procuramos dividir por faixa etária e por estilo musical, mas nem sempre conseguimos fazer do jeito que gostaríamos.”
É óbvio, mas vale lembrar: os festivais são um negócio. Se o dia fechado pelos Backstreet Boys no The Town tiver seus ingressos esgotados, não vai ser surpresa se o grupo voltar ao evento e for convidado para estrear no Rock in Rio. Afinal, por que você acha que o Guns N’ Roses tocou tantas vezes no festival?
“Se eu trouxer de novo o Guns, a mídia vai dizer que o Axl não tem mais voz, muitas pessoas podem reclamar, mas vai lotar outra vez. Eu respeito muito quando você passa a ir além da sua música e se torna uma entidade”, contextualizou Roberto.
Brian Littrell, AJ McLean, Nick Carter, Kevin Richardson e Howie D formam os Backstreet Boys há 25 anos
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O público que cresceu ouvindo sucessos como “I Want It That Way” e “As Long as You Love Me” amadureceu, ganhou poder aquisitivo e lota arena: incluindo 28 shows em uma residência na Sphere, um dos espaços mais modernos e cobiçados do mundo, em Las Vegas.
As coreografias que eram motivo de piada são vistas agora como uma forma de celebrar o passado. O refrão que era chamado de “música de plástico” pelo vocalista do Limp Bizkit virou patrimônio afetivo.
Hoje, o festival The Town pode se arriscar e colocar os Backstreet Boys no topo de um line-up. O Rock in Rio também poderia, mas convive com críticas de quem insiste em lembrar que o festival tem Rock e não Pop no nome.
Ter os Backstreet Boys como atração principal do The Town significa mais do que nostalgia. Significa que os grandes festivais brasileiros estão reconhecendo cada vez mais a música pop adolescente dos anos 90 e 2000 como parte essencial da história da cultura pop. Significa que gostar de boy band deixou de ser vergonha.
Quando os cinquentões e quarentões do grupo subirem ao palco do Autódromo de Interlagos, muitos fãs verão o show como uma consagração de um estilo que sobreviveu a chacotas.

Por que tanta gente ama odiar Jota Quest? Injustiçada, banda sempre fez bom pop romântico
Ah, o Jota Quest. O que dizer sobre essa banda mineira que muitos ainda insistem em subestimar? Fazer pop rock romântico não é tão fácil, extremamente fácil. A ideia do quinteto sempre foi falar com o maior público possível, por meio de pop rocks dançantes, baladas simples e canções com uma pegada soul.
Mas por que um grupo de pop rock dentre tantos foi escolhido para ser um dos mais achincalhados do Brasil? Como o Jota Quest se tornou um alvo de quem diz só dar valor a álbuns mais conceituais de Paralamas, Pato Fu, Los Hermanos… na hora de aceitar um pop rock mais comercial, o limite parecia ser o Skank.
Para mim, odiar Jota Quest é um exagero. Você pode não gostar da presença de palco do vocalista Rogério Flausino ou não ser fã das letras apaixonadas dos hits da banda. Mas é injusto não admitir o óbvio: o grupo toca bem, sabe o que quer e criou músicas que grudam na cabeça, fazem dançar e embalam casais.
Em uma das vezes em que entrevistei Flausino, perguntei por que ele achava que a banda era tão criticada. Quando, afinal, surgiu esse ódio? Ele concordou que o clima começou a pesar em 2001, depois de uma propaganda para a Fanta Laranja. “Ganhamos uma puta grana na época. E era tabu fazer comercial”, ele explicou.
“Naquele momento, o Jota Quest estava muito bombado, tínhamos vendido um milhão de cópias, estávamos superexpostos, o negócio foi ficando meio ‘over’. ‘Fácil’ e ‘O vento’ tocaram muito. Quando saiu o comercial da Fanta, juntou a fome com a vontade de comer. A galera falou: ‘nossa, vamos arregaçar esses moleques’.”
Rogério Flausino, vocalista do Jota Quest, em quatro fases da carreira: dos anos 90 até o visual recente
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Essa “galera” não era o público. Eram jornalistas e críticos que passaram a desqualificar tudo que a banda fazia. Eu lembro bem dessa mudança de tom. O Jota Quest era celebrado como uma banda divertida, com bons músicos e uma cover elogiada de “As dores do mundo”, do mestre do soul funk brasileiro Hyldon.
O romantismo exagerado já apareceu nas primeiras letras escritas por Flausino, como na do primeiro hit, “Encontrar Alguém”. Ela tinha versos como “Tua alma leve como as fadas / Que bailavam no teu peito / Tua pele clara como a paz / Que existe em todo sonho bom”. Mas o primeiro álbum de 1996 também tinha canções menos óbvias, como “Onibusfobia”. Cheia de trava-línguas, versava sobre o medo de estar em um ônibus lotado: “Jacarepaguá é longe pra caramba / Jacarepaguá só se eu tiver de carro”.
“Existe meia dúzia de emburrados que dizem que não querem fazer sucesso. Não existe nada pior do que ouvir um grupo em que as melodias são as mesmas”, resumiu Flausino. Ele defendia a melodia acima de tudo. Como diz a música que fez a banda mudar de patamar, a banda queria “uma canção fácil, extremamente fácil, para você e eu e todo mundo cantar junto”.
Seu Jorge gravou “Na moral” com a banda e, recentemente, perguntei a ele por que a banda viveu esses momentos de perrengue. “Porque eles preferiram ser ingênuos”, ele respondeu, pensativo. “Não tem aquela picardia que se espera da música pop, que tem que ser uma coisa ácida. Eles são agridoces”, definiu o cantor. Para Seu Jorge, pesava contra ainda o fato de o grupo ser romântico, um adjetivo nem sempre bem recebido pela crítica, segundo ele.
Foto da capa do primeiro álbum do Jota Quest, de 1996
Reprodução
Como medir a relevância de um artista sem falar de experiências pessoais? Um caminho é falar de premiações. O Jota Quest já ganhou VMB (a premiação de clipes da MTV) e Prêmio Multishow, mas o destaque fica por conta de duas estatuetas no Grammy Latino: Melhor Álbum de Pop Contemporâneo Brasileiro em 2011 e Melhor Álbum de Rock Brasileiro Ao Vivo em 2013. Os dois gramofones dourados deixam claro: eles transitavam entre rock e pop como quem muda de roupa.
As trilhas também ajudaram a popularizar a banda. Lembro dos cinco tocando “Sempre Assim” no clássico “Zoando na TV”, estrelado por Angélica. Em 2003, “Só Hoje” foi tema do casal Solene e Beto na novelinha “Malhação”. Não só por isso, a balada se tornou a mais ouvida da banda no Spotify em todos os tempos. Assim como “Mais Uma Vez” e “Carta de Amor”, a letra nasceu de bilhetes amorosos da ex-namorada de Flausino, a escritora Fernanda Mello.
Outro colaborador frequente é Wilson Sideral, irmão de Flausino e praticamente o sexto integrante do Jota Quest. Nas parcerias com o Jota Quest, a simplicidade sempre deu o tom, como em “Fácil”, maior hit dele gravado pela banda. A música é uma espécie de editorial das intenções do Jota Quest. “Falar é complicado, baby”, canta Flausino.
Não, o Jota Quest não quer complicar. Se quisesse, não teria cantado os versos de “Amor Maior”, outra com Sideral: “Eu quero ficar só / Mas comigo só eu não consigo / Eu quero ficar junto / Mas sozinho só não é possível”. Já vi muita gente criticando letras do Jota Quest pelo prazer de criticar, mas se os versos aqui citados fossem, sei lá, dos Tribalistas ou do Titãs, ninguém encheria tanto o saco.
O Jota Quest: Márcio Buzelin, Marco Túlio, Paulinho Fonseca, Rogério Flausino e PJ
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Não era raro a banda escrever só a parte musical e convidar letristas. “Tele-fome” é do poeta mineiro Paulinho Pedra Azul: “Não adianta falar de amor ao telefone, isso é ilusão / Pra que tanto telefonema se o homem inventou o avião?”. Há outros exemplos. “Dentro de um abraço” foi criada a partir de um texto da escritora Martha Medeiros. “Tudo está parado”, por sua vez, surgiu de uma sequência de mensagens no celular enviadas por Humberto Gessinger (ex-Engenheiros do Hawaii).
Mas quando se quer falar mal das letras do Jota Quest arrisco dizer que a campeã de citações é “Do seu lado”, do refrão “O amor é o calor que aquece a alma / O amor tem sabor pra quem bebe da sua água”.
Em uma entrevista com Nando Reis, autor dessa letra, ele me disse não entender as críticas. “Você já bebeu um copo de água quando estava com muita sede?”, ele perguntou, obviamente de maneira retórica para defender seus versos. Nando disse ser “quase barroco” ao escrever. “Gosto de imagens e elas estão a favor de uma coisa muito objetiva: a necessidade de expressar os sentimentos”, definiu. O Jota Quest, definitivamente, não tinha medo de fazer isso.
A formação completa do Jota Quest com direito aos músicos de apoio em 2025
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Entenda por que artistas gringos trazem shows mais simples ao Brasil
Em um show em Buenos Aires na última terça (9), Katy Perry disse que foi aconselhada a não vir para a América do Sul porque seria “muito caro”. A cantora está fazendo uma série de apresentações no Chile, Argentina e vem ao Brasil, mas trouxe uma estrutura mais enxuta da “Lifetimes Tour” para o continente.
“‘Katy, você sabe… artistas pop não vão para a América do Sul. É muito caro. Você não pode trazer todo o seu palco, você vai perder dinheiro’. E eu disse: ‘De que isso importa? Meus maiores fãs estão na América do Sul'”, afirmou.
A artista foi criticada por alguns fãs por trazer um show mais simples para o continente, já que a estrutura original era elaborada, com voos pela arena e vários telões. Mas o caso de Katy não é isolado: questões de logística, infraestrutura e até legislação podem influenciar essa decisão. Entenda por que artistas gringos trazem shows mais simples para o Brasil:
Por que turnê de Katy Perry tem sido ‘azarada’ e o que esperar do show no The Town
Como isso é definido?
O g1 ouviu profissionais do mercado de shows, que explicaram como funciona a negociação da estrutura de shows. Segundo eles:
Quem define a estrutura trazida, geralmente, é o artista, e isso sai do bolso dele;
Os aparatos que vêm para cá e quais serão fornecidos são previstos em contrato;
Variáveis como o retorno financeiro, o transporte, viabilidade técnica, proposta artística – tudo isso influencia a decisão;
Um problema no Brasil e na América do Sul? A distância… e as estradas;
Há alternativas para garantir a viabilidade do show com opções mais enxutas;
Mas geralmente, se não for possível trazer uma parte importante da estrutura, a tendência é que os artistas (e as promotoras) decidam não trazer o show.
É caro trazer um show para cá?
Katy Perry se apresenta no Rock in Rio 2024
Stephanie Rodrigues/g1
Os profissionais entrevistados pelo g1 afirmaram que, na maior parte das vezes, cabe ao artista decidir a estrutura que será trazida ao Brasil.
Um entrevistado de uma produtora internacional corrobora com a fala de Katy e argumenta que a logística deixa tudo mais caro. “Estamos longe de todo mundo. É um custo alto chegar ao continente. E depois, quando chegam aqui, as estradas são raras ou ruins”, explica. Por isso, trazer aparatos dos shows à América do Sul – e transportá-los entre diferentes lugares – é uma operação complexa e cara.
Além dos gastos, há uma questão de tempo. “Dependendo dos itens que artistas do pop querem trazer, precisa ser de navio, algo demorado, algo caro, que não vale a pena”, diz outro entrevistado. Isso dificulta a agenda da turnê, e pode até impossibilitar o show.
Essa decisão também depende do investimento (ou prejuízo) que o artista está disposto a ter. “Ele define o que ele quer trazer, o que ele quer produzir localmente. De certa maneira, sai do custo dele. Sai do artista, e entra no resultado do show.”
Não é um cálculo tão simples: do valor do show, é preciso tirar impostos, salário de agentes e outras despesas. A infraestrutura de todo o show também é “paga” pelo artista.
Pode ser que não compense para o artista e que ele fique no prejuízo ao trazer tudo – e aí, pode até deixar de vir ao Brasil, já que isso afeta quase inteiramente o show planejado. Por outro lado, ele pode optar por trazer a estrutura em uma versão mais enxuta, só para não deixar de vir. É o caso de Katy.
Estrutura da ‘Lifetimes Tour’ na América do Norte (esquerda) e na América do Sul (direita)
Reprodução/X
E em festivais?
Se para shows solo já é difícil, trazer a estrutura completa para festivais é praticamente impossível. Muitas vezes, é justamente a economia na produção que compensa a vinda, já que o evento fornece sua própria estrutura “básica”.
“Quando o festival faz uma oferta para um determinado artista, já envia o rider, ou seja, aquilo que o festival oferece. Se o artista quiser algo além do que ele oferece, inicia-se um diálogo para ver o que dá para atender e quem será responsável por isso. No fim, todos tem que se adaptar um pouco”, conta Marcelo Beraldo, diretor artístico do Lollapalooza.
Toda a estrutura oferecida é negociada dependendo do tamanho do artista. “Se ele diz que precisa de um pouco mais disso ou daquilo, a gente vai tentando atender dentro do possível. E eu digo dentro do possível porque tem coisas que nem têm na América do Sul. Nesse caso, o artista pode arranjar ou abrir mão, e o festival também pode ir atrás, tudo depende dessa negociação”.
Segundo Beraldo, geralmente, a regra é que a estrutura do headliner não pode ser utilizada por outros artistas do mesmo palco. “As estruturas extras, em geral, são desenhadas e montadas especificamente para determinado show”, explica.
Katy Perry se apresenta no Rock in Rio 2024
Stephanie Rodrigues/g1
O Brasil compensa
Especialistas argumentam que, apesar de todas as questões de logística, às vezes artistas decidem investir no Brasil mesmo podendo sair no prejuízo. Afinal, o show também é uma ferramenta de marketing – especialmente eficaz no caso do nosso país.
Nos últimos anos, o país passou a ser reconhecido como uma máquina de engajamento e favoreceu o investimento em grandes shows no Brasil. Mesmo caso não renda lucro, um show bem feito por aqui rende boa publicidade nas redes e fortalece a relação dos artistas com seus fãs.
Como a própria Katy disse, ela tem uma base leal de fãs na América do Sul, que a apoiou mesmo durante momentos complicados na carreira. Por isso, valorizar esse público é um movimento essencial para ela.
“Nosso negócio é hoje em dia completamente internacional. A América do Sul já entrou dentro do que é a estrada de turnês. E a América do Sul em geral, e obviamente Brasil por seu tamanho, proporcionalmente gera muito mais streams em Spotify que outros mercados. Então, é fundamental para qualquer artista vir para cá”, conta um produtor de shows.

Lobão lança em 19 de setembro o single ‘Canções de um novo show’, primeira amostra do álbum ‘Vale da estranheza’
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♫ OPINIÃO SOBRE DISCO
Título: Canções de um novo show
Artista: Lobão
Cotação: ★ ★ ★ 1/2
♬ “O que passou, passou”, sentencia Lobão em um dos versos iniciais da letra de Canções de um novo show. Música inédita composta pelo artista com Bernardo Vilhena, com quem Lobão retomou parceria que gerou composições apresentadas pelo cantor em discos lançados entre 1983 e 1999, Canções de um novo show é o primeiro single do álbum Vale da estranheza.
O single chega ao mundo em 19 de setembro. Já o álbum – o primeiro de Lobão com músicas inéditas desde O rigor e a misericórdia (2016) – tem lançamento previsto para março de 2026, em edição que será posta no mercado digital via Ditto Music.
Com título que reproduz expressão criada na década de 1970 pelo cientista e pesquisador japonês Masahiro Mori (1927 – 2005), o álbum Vale da estranheza trará inéditas músicas autorais como Desterritórios, Nosso amor na mesma estrada e o samba Ode à alegria mesmo que tardia.
Mesmo sem ser uma música à altura do histórico de Lobão, Canções de um novo show tem vitalidade. Trata-se de power balada que ganha a pulsação do rock à medida em que avançam os três minutos e 40 segundos da gravação formatada com produção musical orquestrada por Lobão com o baixista Guto Passos.
Com Canções de um novo show, Lobão quer garantir um lugar no futuro. “Chega de tributos e flashbacks”, sentencia o artista no texto que apresenta o single à imprensa musical.
Por voltar ao disco com “cabeça quente, língua seca e sede de viver”, como se perfila em versos do refrão, Lobão valoriza e energiza música que, em outro contexto, talvez até passasse despercebida…
Capa do single ‘Canções de um novo show’, de Lobão
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Em entrevista ao g1, Teto falou sobre a ascensão de sua carreira, a vida pós-fama e as diferentes linguagens do trap no Brasil.
O rapper baiano de 23 anos viu seu nome após vídeos sem muito glamour e grandes produções: ele apenas abria sua câmera no Instagram e cantava.
Agora, no mesmo Instagram, ele recebe mensagens dos artistas que admira. Recentemente, recebeu um “salve” do rapper Quavo, um artista gigante do trap que fez muito sucesso em carreira solo e com o trio americano Migos. Ele mostrou a tela com a conversa, durante a entrevista.
Teto se tornou um dos maiores nomes brasileiros do trap. Desde que surgiu em Atlanta, o subgênero mais ouvido do hip hop se caracteriza por batidas graves e letras sobre festas, modas, fama, rotina, preconceitos, sexo…
Ele começou o papo explicando como ganhou o apelido de “Rei das prévias”. “Foi muito espontâneo. Não foi planejado nem me impuseram. Tava lá no meu quarto criando minhas músicas como todo jovem adolescente. Precisava ter uma opinião se só eu estava gostando ou não. Até que decidi abrir uma live para meus 600 seguidores. E foi que foi.”
Você pode ouvir o g1 Ouviu no g1, no Spotify, no Castbox, no Google Podcasts ou no Apple Podcasts. Assine ou siga o g1 Ouviu para ser avisado sempre que tiver novo episódio no ar.
g1 Ouviu entrevista Teto
Kaique Mattos/g1

Em entrevista ao g1, Badauí falou sobre os 30 anos do CPM 22, as origens da banda de punk rock (ou hardcore) que marcou o rock brasileiro, comparações com o movimento emo, como fez para não se deslumbrar com a fama e críticas a sua forma de cantar.
No início dos anos 2000, a banda paulistana chegou às paradas das rádios com músicas como “Tarde de outubro”, “Não Sei Viver Sem Ter Você” e “Um Minuto para o Fim do Mundo”. Mesmo com o sucesso, o grupo enfrentou críticas.
“Não sou um exemplo de cantor, eu desafino, semitono. Mas não posso me acomodar. Mas dentro do ideal para o CPM, acho que atingi uma condição legal. Não foi fácil, estudei bastante. Eu não recebi críticas, recebi hate de jornalista”, disse o vocalista.
Para Badauí, as redes sociais ajudaram festivais como o The Town. “Essa ânsia de estar nos rolês levou os jovens para os lugares”.
O cantor de 49 anos começou o papo explicando como participar de festivais como o The Town ajuda a banda a conquistar novos públicos. “Um festival desses muda a vida de uma banda, desde que você não vá lá e faça besteira”. Badauí disse que não se importa em incluir hits antigos no repertório. “No final, são todas músicas nossas, que a gente adora”.
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Badauí, vocalista do CPM 22, participa do g1 Ouviu
Fabio Tito/G1
Badauí, vocalista do CPM 22, participa do g1 Ouviu
Fabio Tito/G1

A banda Vanguart atualmente é personificada por dupla formada por Helio Flanders (à direita) e Reginaldo Lincoln
Andrei Moyssiadis / Divulgação
♫ NOTÍCIA
♪ O oitavo álbum de estúdio da banda Vanguart tem lançamento confirmado para 17 de outubro. Atualmente reduzido a uma dupla formada por Helio Flanders e Reginaldo Lincoln, o grupo mato-grossense apresenta em 19 de setembro, um mês antes do disco, duas músicas desse próximo trabalho autoral – décimo álbum da discografia da banda, se contabilizados os dois registros de shows editados em 2009 e 2016.
A vida é um trem cheio de gente dizendo tchau e Estação liberdade são as músicas escolhidas para serem antecipadas em singles. A vida é um trem cheio de gente dizendo tchau é balada que versa sobre despedidas. Já Estação liberdade tem letra que pode ser entendida como autorreferente.
“É uma canção que se despede para depois se reencontrar em outra forma. Estação liberdade fala de certa forma sobre um caminho que a própria banda fez após a pandemia e um hiato por tempo indeterminado”, conceitua Helio Flanders.
O último álbum do grupo Vanguart, Oceano Rubi, foi lançado em 2022, há três anos.