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‘Garoto Bombril’: veja como está hoje Carlos Moreno, rosto que marcou comerciais na TV


‘Garoto Bombril’: veja por onde anda Carlos Moreno, rosto que marcou comerciais famosos
Com seu carismático personagem, Carlos Moreno subverteu a ideia de que apenas mulheres, especialmente donas de casa, eram boas anunciantes de produtos de limpeza.
“Ele era um químico industrial que trabalha nos laboratórios da Bombril e tinha um profundo conhecimento dos produtos, porque é ele quem estava trabalhando, tinha um amor pela empresa”, diz Carlos Moreno.
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A grande sacada da campanha, segundo o próprio Moreno, foi a criação de um único personagem que, ao longo dos anos, evoluiu sem perder sua essência.
“Tirando-se aquele constrangimento do início, ele foi ficando mais saidinho, mas mesmo assim tinha essa coisa que ele não era o dono da bola”, comenta.
‘Garoto Bombril’: veja por onde anda Carlos Moreno, rosto que marcou comerciais famosos
Reprodução/TV Globo
Com 35 anos de comerciais no ar, Carlos Moreno entrou para o Guinness Book e conquistou uma legião de fãs.
“É uma coisa até que me deixa emocionado. Porque, de verdade, eu juro por tudo que é sagrado. Até hoje, as pessoas quando me encontram na rua, falam: ‘Meu Deus, é você? A gente adorava seus comerciais. A gente corria para ver, a gente esperava seus comerciais’”, relembra.
Carlos Moreno, rosto famoso das propagandas brasileiras
Reprodução/TV Globo
Veja a íntegra do programa no vídeo abaixo:
Globo Repórter – O Brasil e a Publicidade – 10/10/2025
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Seu Jorge faz feat com Maria Rita e regrava Milton Nascimento e Arthur Verocai em álbum previsto para 2026


Seu Jorge tem pronto desde 2019 um álbum, ‘The other side’, que planeja lançar em 2026
Reprodução / Facebook Seu Jorge
♫ NOTÍCIA
♪ Gravado por Seu Jorge nos Estados Unidos ao longo de uma década, precisamente entre 2009 e 2019, o álbum The other side tem lançamento previsto para 2026.
Direcionado para o mercado norte-americano, o disco traz no repertório regravações de Caboclo (Arthur Verocai e Vitor Martins, 1972) – música nunca regravada desde que foi lançada há 53 anos em álbum de Verocai – e Crença (Milton Nascimento e Marcio Borges, 1967).
A cantora Maria Rita faz feat com Jorge em Vento de maio (Telo Borges e Marcio Borges, 1979), faixa gravada em 2013.

Fonte: G1 Entretenimento

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Mãe aos 50 e ícone de estilo, Diane Keaton celebrava independência


Diane Keaton morre aos 79 anos
“Eu não queria renunciar à minha independência”, assim respondeu Diane Keaton à também atriz Lisa Kudrow em 2021 quando questionada do por que não havia se casado. A estrela de “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” (1977) morreu neste sábado aos 79 anos de idade.
No editorial, Keaton respondia perguntas de colegas e outros famosos, quando a estrela de “Friends” — e colega de cena em “Linhas Cruzadas” (2000) — perguntou: “nossa sociedade sempre teve uma expectativa de que as mulheres se casassem, e você disse que isso simplesmente não parecia certo para você. O que motivou esse sentimento?”.
Keaton em uma de suas últimas aparições públicas, no desfile da Ralph Lauren em 2023
Foto por ANGELA WEISS / AFP
A norte-americana, conhecida por sua irreverência e estilo, afirmou que tomou a decisão analisando a vida da própria mãe. “Isso remonta à minha mãe, porque, para mim, quase tudo tem um significado”, explicou ela. “Eu amo meu pai, claro — isso nem preciso dizer —, mas ela sempre esteve lá, e ele sempre trabalhava.”
Diane, que era a mais velha de quatro irmãos, contou a Kudrow: “eu vi o quanto ela desistiu”.
“Sinto que ela escolheu a família em vez dos sonhos. E ela era simplesmente a melhor mãe, mas acho que ela é a razão pela qual eu não me casei. Eu não queria renunciar à minha independência”, respondeu Diane Keaton.
Em 2004, para a revista People, contou que a mãe, de quem emprestou o sobrenome de solteira, era multitalentosa e “provavelmente gostaria de ter tido uma carreira no entretenimento”. “Ela cantava, tocava piano. Era linda”. Seu pai era engenheiro civil na Califórnia, onde Diane Keaton cresceu.
Mãe adotiva de duas crianças, Dexter e Duke, já aos 50 anos, a atriz dizia que os filhos lhe trouxeram um propósito real em sua vida que nunca teve antes.
“Eu estava muito envolvido [erro de concordância de gênero: o correto é “envolvida”] em mim mesmo para sempre. E isso muda toda a paisagem da sua vida. Todo o seu ponto de vista no bom sentido”, disse ela à CBS News. “De um jeito bom… Eu só acho que ambos são milagres.”
“Hoje eu estava pensando: sou a única da minha geração de atrizes que foi solteira a vida toda”, disse à People em 2019. “Estou muito feliz por não ter me casado. Sou excêntrica. Lembro que, no ensino médio, um cara veio até mim e disse: ‘Um dia você vai ser uma boa esposa’. E eu pensei: ‘Não quero ser esposa. Não'”.
“A propósito, ninguém nunca me pediu em casamento, então essa pode ser uma boa resposta”, disse ela, acrescentando: “Eu deveria ter começado por aí e encerrado o assunto.”
Keaton namorou vários dos principais nomes de Hollywood ao longo dos anos, incluindo Al Pacino, Jack Nicholson e Warren Beatty.
Ícone de estilo
Diane Keaton nunca precisou seguir tendências — ela as criava. Desde os anos 1970, a atriz construiu uma identidade visual que misturava excentricidade, elegância e humor, tornando-se uma das figuras mais singulares da moda em Hollywood.
Em 2004 foi indicada ao Oscar de Mulher Atriz por “Alguém Tem que Ceder”. Na foto, Diane Keaton durante o almoço de indicados.
Foto por HECTOR MATA / AFP
Seu figurino em “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” (1977), com gravatas largas, coletes, chapéus e calças de alfaiataria, não apenas refletia sua personalidade fora da tela como também redefiniu o que se entendia por “roupa feminina” na época. O visual, idealizado em parte pela própria Diane, inspirou mulheres a explorarem um estilo mais andrógino e autêntico — e até hoje é referência nas passarelas e editoriais de moda.
Keaton fez do terno seu vestido de gala e do chapéu seu símbolo. Com o tempo, seu estilo evoluiu, mas sem perder coerência: o preto e o branco, as sobreposições, os cintos marcados e as silhuetas amplas se tornaram sua assinatura. Ela transformou a moda em uma forma de expressão pessoal, um manifesto silencioso sobre liberdade e identidade.
Além de ícone de elegância, Diane também foi admirada por seu olhar estético fora do cinema — uma apaixonada por design e arquitetura, publicou livros sobre decoração e fotografia, sempre com o mesmo senso de humor e olhar apurado que marcaram sua carreira.
Capa de um de seus livros, “Fashion First”, onde se debruça sobre a moda
Reprodução
Mais do que vestir-se bem, Diane Keaton se trajava de ideias — de independência, originalidade e autenticidade —, tornando-se um ícone de estilo imortal.

Fonte: G1 Entretenimento

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Fernanda faz ‘abreugrafia’ do álbum ‘Da lata’ em documentário com o apuro que caracteriza a obra solo da artista


Fernanda Abreu revê o álbum e o show ‘Da lata’, após 30 anos, em documentário em cartaz no Festival do Rio até este sábado, 6 de outubro
Reprodução / Documentário ‘Da lata 30 anos’
♫ OPINIÃO SOBRE DOCUMENTÁRIO MUSICAL
Título: Da lata 30 anos – O documentário
Direção: Paulo Severo
Roteiro: Paulo Severo e Fernanda Abreu
Cotação: ★ ★ ★ ★ ★
♬ Fernanda Abreu reitera o apuro que pauta a trajetória da artista carioca ao fazer a abreugrafia do álbum Da lata em documentário em cartaz até hoje sábado, 6 de outubro, na mostra Retratos da Première Brasil da 27ª edição do Festival do Rio. Assinado por Fernanda com o diretor Paulo Severo, o roteiro do filme mantém o pulso firme ao longo dos 95 minutos de projeção. Inexistem gorduras nesse roteiro iniciado com breve retrospecto da carreira de Fernanda até o álbum de 1995.
A direção e a edição de Severo contribuem decisivamente para que Da lata 30 anos – O documentário chegue à tela com fluência exemplar, com unidade visual e com um paleta de assuntos relevantes que legitimam a existência do filme produzido pela empresa Garota Sangue Bom com a colaboração da TV Zero.
Disco que expandiu em 1995 a carreira solo iniciada pela artista em 1990, oito anos após Fernanda Abreu ter sido projetada em escala nacional em 1982 como vocalista da banda Blitz, Da lata atravessou os últimos 30 anos como o álbum mais relevante da discografia da cantora e compositora.
A mistura antenada de samba com o então emergente funk carioca azeitou o pop de pista feito por Fernanda neste disco construído com o batuque samba-funk e com toques de R&B e rock, além das letras que aguçaram a visão social de uma cidade, o Rio de Janeiro (RJ), que já tendia a se partir pelas tensões sociais cotidianas ao mesmo em que pulsava unida no morro e no asfalto com um som quente, calcado pelo batidão do funk que começava a sair do circuito periférico dos bailes da pesada para ganhar o Brasil.
Como Fernanda conclui ao fim da narrativa, Da lata foi o disco que cunhou o epíteto Garota carioca suingue sangue bom na identidade sonora dessa artista que sempre primou pelo requinte visual de cada álbum ou show.
Com fotografia de Renato Carlos e trilha sonora de Tuto Ferraz, o documentário Da lata 30 anos segue nessa linha de sofisticação visual. Tanto que o artista visual Luiz Stein – responsável pelas capas bafônicas dos discos de Fernanda – criou cenografia inspirado na lata (matéria-prima da estética visual do disco) para o estúdio carioca Pancadão, onde foram captados os depoimentos da maior parte dos entrevistados. O que conferiu unidade estética ao filme.
E por falar em depoimentos, todo mundo fala, desde o fotógrafo da capa do disco (Walter Carvalho) até a figurinista do show Da lata (Cláudia Koepe) e a coreógrafa dos clipes e do show (Debora Colker)! Essa profusão de depoimentos enriquece o roteiro. Até porque os depoimentos fogem da babação de ovo pura e simples em cima da artista.
Os depoimentos são naturalmente positivos, mas muitos deixam evidentes, por exemplo, as tensões entre os dois produtores do disco, Liminha e Will Mowat (do grupo britânico Soul II Soul), e também as arestas financeiras aparadas pela artista com a gravadora EMI Music (representada no roteiro pela fala do então diretor artístico João Augusto) diante da feitura de um álbum de orçamento grandioso e produção intercontinental (parte das faixas produzidas por Mowat foi formatada em Londres). Sem falar no equilíbrio delicado conseguido por Fernanda para se movimentar (e se impor) no estúdio, como dona do disco, em universo fonográfico dominado por homens.
O documentário é valorizado pela abundância de imagens inéditas da gravação do álbum. Tudo o que é falado é corroborado pelas imagens, o que impede o roteiro de resultar em amontoado de depoimentos vazios (erro que torna cansativo muitos filmes do gênero).
O filme reabre a porta do estúdio Nas Nuvens para o espectador ver Fernanda Abreu em ação com colegas como Herbert Vianna, Lenine e Memê, DJ e produtor arregimentado para ajudar dar forma à música Babilônia rock. “Esse disco tem o molho brasileiro que define a Fernanda como uma artista de pista no Brasil”, sintetiza o DJ Memê.
Com o som quente do álbum Da lata, o pop dançante da artista extrapolou as fronteiras nacionais. O diretor Paulo Severo também documenta bem a exposição do álbum Da lata fora do Brasil, sobretudo na França, país em que Fernanda foi rotulada, em manchete de jornal, como “a Madonna das favelas”.
Além de dissecar o disco, faixa por faixa, o documentário reaviva a criação do show Da lata, fundamental para propagar o som envenenado de álbum emblemático que delineou a identidade musical de Fernanda Abreu, artista desde então e para sempre associada ao calor musical do Rio 40 graus.
Cartaz do documentário ‘Da lata 30 anos’, de Paulo Severo
Divulgação / Festival do Rio

Fonte: G1 Entretenimento

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Diane Keaton morre aos 79 anos, diz revista


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A atriz, diretora e produtora norte-americana Diane Keaton morreu neste sábado (11) aos 79 anos, informou a revista “People”, citando um porta-voz da família, que pediu privacidade neste momento.
Diane Keaton deixa dois filhos adotivos, Dexter e Duke. Ela nunca se casou.
Diane Keaton iniciou sua trajetória no teatro antes de fazer sua estreia cinematográfica como figurante em “As Mil Faces do Amor” (1970).
A atriz alcançou reconhecimento com seu papel como Kay Adams-Corleone em “O Poderoso Chefão” (1972). A personagem seria repetida nas sequências “O Poderoso Chefão Parte II” (1974) e “O Poderoso Chefão Parte III” (1990).
No entanto, foi a parceria com o diretor e co-protagonista Woody Allen que se revelou essencial para a consolidação de sua carreira, iniciada com “Sonhos de um Sedutor” (1972).
Os projetos seguintes com Allen, “O Dorminhoco” (1973) e “A Última Noite de Boris Grushenko” (1975), firmaram sua reputação como atriz cômica de destaque.
Seu desempenho na aclamada comédia romântica “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” (1977) culminou na conquista do Oscar de Melhor Atriz, um dos maiores prêmios de sua carreira.
Ela foi indicada novamente ao Oscar pelo papel da socialite Louise Bryant, em “Reds”, dirigido por Warren Beatty em 1981.
Diane Keaton recebe o prêmio Cecil B. DeMille no lugar do cineasta Woody Allen, que foi homenageado pelo conjunto de sua obra no 71º Globo de Ouro.
AP Photo/NBC, Paul Drinkwater
(em desenvolvimento)
Jack Nicholson e Diane Keaton em ‘Alguém tem que ceder’, de 2003
Divulgação

Fonte: G1 Entretenimento

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Lembra dos ‘mamíferos’ da Parmalat? Personagens se reencontram após quase 30 anos e revivem comercial icônico


Mamíferos da Parmalat: veja como estão bebês do famoso comercial
Quase três décadas após o lançamento da icônica campanha da Parmalat, os “mamíferos” que encantaram o Brasil nos anos 1990 se reencontraram em um momento repleto de emoção e nostalgia.
O comercial, veiculado em 1996, marcou uma geração com crianças vestidas de bichinhos cantando uma música que ficou na memória afetiva dos brasileiros.
A convite do Globo Repórter, os agora adultos voltaram ao estúdio para reviver os momentos que os tornaram parte da história da publicidade nacional. Veja no vídeo acima.
Entre os reencontrados estão Cecília, Isabella (ursinho e foca), Ariane (porquinha e vaquinha), João (gato), Renan (elefante), Lucas (ovelha) e Gabriela (rinoceronte).
A propaganda, com apenas 30 segundos de duração, é considerada um marco.
“Vai fazer 30 anos o ano que vem e todo mundo que a gente comenta fala: ‘cara, marcou uma época’”, disse Renan Guimarães, o elefante.
Ariane Lira, que foi a porquinha, completou:
“É uma propaganda épica, ficou pra história. Pode passar 5, 10, 15, 20 anos e vão lembrar com carinho.”
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Lucas Andrade, ovelha, compartilhou uma história curiosa:
“Minha mãe guardou a ovelha desde a época da propaganda. Virou piada em casa. No auge dos meus 17 anos, resolvi dar a ovelha pra minha primeira namorada, na época. Ela me fez pegar de volta porque era a relíquia da casa.”
O diretor também refletiu sobre a falta de diversidade na campanha original:
“Hoje seria impensável uma coisa dessas. Ter um negro só no meio de tanta criança branca… Não porque hoje é obrigado, mas porque as pessoas se conscientizaram”, afirmou Ricardo ‘Gordo’ Carvalho.
Mamíferos da Parmalat: Lucas Andrade foi a ovelha
Reprodução/TV Globo
A campanha ultrapassou fronteiras. Três dos “mamíferos” vivem fora do Brasil: Renata (gambá), Caique (leãozinho) e Guilherme (cachorrinho).
“Ela marcou geração, marcou a publicidade brasileira, mas também marcou a nossa vida, no individual. “No futebol, meu apelido era Parma ou leãozinho. Aqui no Canadá me chamam de ‘little lion’”, disse Caique.
João Vitor Santos, o gato, contou que às vezes revela sua participação na campanha como uma surpresa:
“Às vezes você está conversando com alguém, conhecendo alguém, e fala: ‘pô, tem um negócio pra te contar… eu fui um mamífero da Parmalat’”, disse, aos risos.
Gabriela Rudnik, a rinoceronte, é mais direta:
“Eu já conto para todo mundo. Qualquer oportunidade que eu tenho, eu falo: ‘eu fui um bichinho da Parmalat’. A pessoa já fica surtadíssima e eu fico: ‘uh, eu sou famosa!’”
Mamíferos da Parmalat: veja como estão bebês do famoso comercial 30 anos depois
Reprodução/TV Globo
Renata, o gambá, relembrou um momento marcante das gravações: “Eu lembro que o João não falava. Ele só falava comigo.” O diretor completou:
“Ela começou a estimular ele para que ele bebesse. A Renatinha foi lá e fez várias: ‘tomou, gostou, tá bom’. Gravou várias coisas. Na montagem, pegamos o ‘tomou’ e colocamos. E acabou que foi o encerramento que ficou na memória de todo mundo”.
A propaganda da Parmalat é lembrada até hoje como um marco da publicidade brasileira.
“É a propaganda que nunca morre. Toda vez que a gente acha que todo mundo esqueceu, alguma coisa acontece e ela volta”, resume Renata.
Mamíferos da Parmalat: veja como estão bebês do famoso comercial
Reprodução/TV Globo
Veja a íntegra do programa no vídeo abaixo:
Globo Repórter – O Brasil e a Publicidade – 10/10/2025
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Cantor argentino Fede Dorcaz é assassinado a tiros após ensaio de reality na Cidade do México


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O cantor e modelo argentino Federico Dorcazberro, conhecido como Fede Dorcaz, foi assassinado a tiros durante uma tentativa de roubo na Cidade do México. O crime aconteceu na quinta-feira, 9. Ele tinha 29 anos. Segundo o portal TMZ, autoridades mexicanas estão analisando imagens de segurança do local para identificar os quatro suspeitos.
Fede estava no México, onde participaria de um reality show de dança com famosos, o popular “Las Estrellas Bailan en Hoy”, e estava saindo de um ensaio quando foi atingido no pescoço no distrito de Miguel Hidalgo.
Cantor e modelo argentino estava para estrear sua participação no reality show mexicano “Hoy”
Reprodução Redes/X @FedeDorcaz
Como relata o Clarín, mesmo tendo entregado seus pertences, os criminosos atiraram ao menos três vezes. Dorcaz morreu no local. A Secretaria de Segurança Cidadã da Cidade do México (SSC CDMX) informou, via redes, que “tomaram conhecimento de um homem que perdeu a vida devido a ferimentos de bala, aparentemente um ataque direto”, indicando um ataque deliberado e não um acidente.
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Até a publicação dessa reportagem, nenhuma prisão havia acontecido.
Quem era Fede Dorcaz
Nascido em Mar del Plata, na província de Buenos Aires, imigrou com a família para a Espanha, onde iniciou a carreira de modelo. A trajetória da moda levou-o aos Estados Unidos e ao México, onde começou a se posicionar como cantor pop – como conta o jornal La Nación.
Suas canções mais conhecidas são Volver a Empezar, No eres tú, Cara bonita e Moka. A última, uma parceria com sua namorada, a também cantora e atriz Marina Ávila. Em uma rede social, Ávila lamentou a perda: “sempre será minha pessoa favorita”.
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Fede Dorcaz estava em um momento positivo de sua carreira. A revista especializada Rolling Stone, o chamava de “estrela latina em ascensão meteórica” e apostava no argentino como a “redefinição do pop latino global”. A publicação também destacou o início de sua presença no Brasil.
Em suas redes, o cantor comemorou as palavras do veículo, e disse “não poder estar mais feliz”, e ponderou estar “realizando sonhos”. “Mais um passo”, contou em publicação no Instagram.
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A produção do programa em que Dorcaz participaria lamentou seu falecimento. A equipe do “Hoy”, como é apelidado pela audiência, chamou Fede de “amigo e companheiro”, disseram estar juntos na “dor de seus familiares”. “Deixa um grande vácuo em nosso time. Sua recordação e sua paixão seguirão inspirando sempre”.
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A revista em quadrinhos que ‘reinventou’ leitura para crianças no Brasil há 120 anos


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Uma novidade chamou a atenção nas bancas do Rio de Janeiro há 120 anos, na quarta-feira, 11 de outubro de 1905.
Em meio aos periódicos que informavam e entretinham a sociedade, uma publicação ilustrada e cheia de desenhos apelava ao olhar infantil: era a revistinha O Tico-Tico, considerada a primeira revista de histórias em quadrinhos do país.
“Era uma revista criada para estimular as crianças à leitura, uma ideia moderna naquele momento”, diz o cartunista e jornalista José Alberto Lovetro, o JAL, presidente da Associação dos Cartunistas do Brasil.
“Foi uma das pioneiras do mundo como revistas de quadrinhos, revista para crianças nesse formato. E realmente conseguiu entrar nas escolas, estimular as crianças à leitura”, analisa. “Por isso temos uma tradição aqui no Brasil de revistas em quadrinhos, abrindo caminho para desenhistas como o Mauricio de Sousa e o Ziraldo, que conseguiram manter esse público.”
Com logotipo concebido pelo já consagrado desenhista e ilustrador ítalo-brasileiro Angelo Agostini (1843-1910), O Tico-Tico ganhou o coração das crianças com historinhas, personagens marcantes e passatempos.
Acabou abrindo espaço para os quadrinhos no país ao mesmo tempo que criou uma ideia de mercado literário voltado para a infância.
“O cabeçalho criado por Agostini passa uma mensagem de pureza e inocência. As crianças, retratadas como espécies de querubins, se divertem por entre as letras que formam o título da revista”, comenta a jornalista Sonia Bibe Luyten, criadora da primeira gibiteca do país e autora de O Que É História em Quadrinhos (Brasiliense, 1987), entre outros livros.
Um jornalzinho para crianças
Publicação circulou até 1977 e apresentou Mickey e Popeye ao público nacional
Reprodução/Acervo Pessoal de Richardson Santos de Freitas
Conforme a pedagoga Cíntia Borges de Almeida, professora na Universidade Estadual de Santa Cruz (Uesc), o corpo editorial da revista a anunciava com a missão de “divertir, estimular e ser útil às petizadas do Brasil”.
O Tico-Tico nasceu intitulando-se o “jornal das crianças”. “[Foi a] denominação dada por seus fundadores”, declara Almeida.
No editorial de lançamento da revista, foi publicado que o jornalzinho vinha “preencher uma lacuna” por ser “um jornal que se destina exclusivamente ao uso, à leitura, ao prazer, à distração das crianças”.
“Não queremos a atenção nem os aplausos da gente grande: os pequeninos, os inocentes, os simples formarão o nosso público”, anunciou a revista. “É para eles que escrevemos, e se conseguirmos agradar-lhes, teremos obtido o único triunfo que ambicionamos.”
“O Tico-Tico não foi apenas uma revista de entretenimento infantil, mas um instrumento que demarca a expansão da imprensa, a modernização dos meios de comunicação e é um símbolo para se analisar as estratégias editoriais para se divulgar ideias, pensamentos e projetos de sociedade”, contextualiza a pedagoga.
“Os livros possuíam um lugar privilegiado e alcançaram a preferência nos círculos letrados. Diante desta predileção, o mercado editorial do jornal e das revistas cooptaram a atenção de diversas camadas sociais através de suas narrativas plurais, mais sintetizadas, possibilitando leitura de modo extensivo, atingindo públicos leitores, mas também sendo instrumento de leituras públicas, o que ampliou o seu alcance de públicos de diferentes classes, alfabetizados ou não.”
Apesar dos elevados índices de analfabetismo, enquanto ocorria a popularização da palavra impressa e da cultura letrada, diferentes veículos impressos cumpriram papel alfabetizador, observa a professora.
“Isso se deu com O Tico-Tico. Não se trata de processo de alfabetização que substitua o lugar da escola, mas, ele também cumpriu um papel, ainda que informal, no processo educacional da sociedade”, considera Almeida.
Coautor do livro O Tico-Tico — 100 Anos (Opera Graphica, 2006) e vice-coordenador do Observatório de Histórias em Quadrinhos da Universidade de São Paulo (USP), o jornalista Roberto Elísio dos Santos ressalta que a revista “abriu o mercado para outras publicações do gênero” no país.
Principalmente, com foco em “crianças de uma classe alta”, que “iam para a escola, sabiam ler ou estavam em fase de alfabetização”.
“Foi importante para a formação de leitores”, pontua ele. “E foi interessante porque era uma publicação que levava à produção de outras, algo não comum naquela época. Por exemplo: aos fins de ano, tinha um almanaque com capa dura, lombada quadrada e mais páginas, que era o presente de Natal das crianças.”
Inspiração francesa
A ideia da revista foi do jornalista Luís Bartolomeu de Souza e Silva (1864-1932), que se inspirou em publicações semelhantes que circulavam na França.
“O Tico-Tico era muito similar às revistas infantis europeias do começo do século. Coloridas e moralistas. Muitas de suas histórias visavam à educação das crianças e à construção de sólidas convicções morais”, enfatiza Maria Cristina Merlo, mestre em história em quadrinhos pela USP com o trabalho O Tico-Tico — Um Século de Histórias em Quadrinhos no Brasil.
“Tenho uma edição de 1928 e eles tinham uma coisa diferenciada: colocavam quadrinhos na capa”, atenta Lovetro, da Associação dos Cartunistas do Brasil.
Merlo lembra, contudo, que não era só HQ. “Especificamente, é preciso salientar que O Tico-Tico não era exatamente uma revista em quadrinhos, ou um gibi, como depois elas vieram a se denominar no país”, ressalva. “Era, muito mais, uma revista infantil.”
“Mas ela começou a publicar quadrinhos desde seus primeiros anos de vida e, pouco a pouco, eles foram se tornando cada vez mais importantes para os leitores. Os quadrinhos foram, talvez, o principal motivo para a permanente popularidade de O Tico-Tico entre as crianças brasileiras, geração após geração”, comenta Merlo.
A revista tinha por trás a estrutura profissional da editora que publicava O Malho, revista ilustrada que enfatizava a sátira política e o humor e que surgiu no ano de 1902, no Rio — a publicação era dirigida por Silva, o mesmo idealizador da infantil.
“[O Tico-Tico] produziu um grande impacto no mercado editorial porque contava com toda a estrutura de profissionais, maquinário e distribuição do grupo O Malho”, salienta o cartunista e biblioteconomista Richardson Santos de Freitas, o Ric, que estudou histórias em quadrinhos em pesquisa realizada na Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG).
“Isso permitiu que os 10 mil exemplares de sua primeira edição esgotassem rapidamente, necessitando de uma segunda edição. A revista foi um grande sucesso, sem muita concorrência por um longo período, chegando a alcançar a tiragem de 100 mil exemplares por semana”, completa ele.
Plágios e criações
Entre os personagens de O Tico-Tico estavam criações nacionais, republicações autorizadas de quadrinhos que faziam sucesso no exterior e até mesmo cópias não-autorizadas.
É o caso de Chiquinho, o personagem que chegou a ser o mais popular da revista.
Nos anos 1950 soube-se que se tratava de um plágio: sem autorização, os brasileiros tinham copiado Buster Brown, do norte-americano Richard Felton Outcault (1863-1928).
Em defesa dos artistas da publicação nacional, vale ressaltar que Chiquinho ganhou contornos de menino brasileiro. “Com o decorrer do tempo, o Chiquinho foi devidamente adaptado à realidade cultural brasileira e tornou-se o personagem-símbolo de O Tico-Tico”, pontua Merlo.
Era um garoto de classe média que, em suas histórias, estava ambientado no dia a dia de uma cidade típica da época. Com o passar do tempo, ganhou coadjuvantes — Benjamin, um menino negro, e Jagunço, um cão, eram os mais recorrentes.
“O personagem mais importante da revista foi sem dúvida Chiquinho, que todos pensavam ser um personagem genuinamente nacional. Não era”, diz o biblioteconomista Waldomiro Vergueiro, professor na USP e coautor do livro O Tico-Tico — 100 Anos (Opera Graphica, 2006).
Vergueiro conta que “o personagem durou pouco nos Estados Unidos, mas fez muito sucesso por aqui”. “Quando parou de ser publicado lá, os editores brasileiros encarregaram autores nacionais a continuar com as histórias”, relata.
“Os brasileiros criaram para o menino um companheiro de brinquedos, um garoto negro que era agregado da família. Isso era muito comum na época. Hoje, reconhecemos nas histórias um tratamento extremamente racista, mas na época não era visto dessa forma”, pondera o especialista.
Esse trio de personagens ficou tão famoso que acabou sendo mencionado até em canção da MPB. São citados na música Lampião de Gás, criação de Zica Bérgami (1913-2011) imortalizada na voz de Inezita Barroso (1925-2015).
Nem tudo era pirataria. O Tico-Tico tinha contrato com os chamados syndicates americanos, as agências distribuidoras que se encarregavam de vender tiras de autores famosos nos Estados Unidos para todo o mundo.
Foi assim, portanto, que o roedor mais famoso do mundo estreou no Brasil pelas páginas da revista, nos anos 1930.
No início, Mickey era chamado simplesmente de Ratinho Curioso. Mais tarde, se transformou em Camondongo Mickey, o Ratinho Curioso — com a grafia antiga de “camundongo”.
Freitas situa no tempo essa história. O ratinho apareceu pela primeira vez na edição de número 1277, que saiu em 26 de março de 1930 — apenas dois anos depois de ter sido criado por Walt Disney (1901-1966), portanto. A série se chamava A História do Ratinho Curioso.
Quatro anos mais tarde, a seção foi rebatizada como As Aventuras do Camondongo Mickey. “A revista fazia questão de dizer que era uma exclusividade no Brasil”, diz Freitas.
Outro personagem famoso a debutar no Brasil por meio de O Tico-Tico foi o marinheiro Popeye, rebatizado de Brocoió. Krazy Kat, por sua vez, virou simplesmente Gato Maluco. O Gato Félix foi outra criação estrangeira que chegou ao público do país pelas páginas da revistinha.
Quadrinistas brasileiros também fizeram sucesso com suas criações nas páginas da revista. É o caso de J. Carlos, como assinava José Carlos de Brito e Cunha (1884-1950), que eternizou na publicação as histórias de Lamparina.
Nessas historinhas, uma criança negra e careca aprontava todas as traquinagens em uma cidade do interior — atormentado os adultos.
Luyten lembra que J. Carlos carregava as influências do estilo art déco em suas ilustrações. “A essência de sua obra é toda ela envolvida por esse movimento”, diz.
“Lamparina, é o protótipo de uma enfant terrible [“criança terrível”, na tradução literal do francês]”, analisa.
Muitos pensam ser do sexo masculino, mas é, na realidade, uma menina impúbere com cerca de dez anos, que, vinda de uma ilha distante, integra-se oficialmente ao elenco de personagens de O Tico-Tico em 25 de abril de 1928, lembra a autora do livro O Que É História em Quadrinhos.
“O fato de ser confundida com um menino deve-se à reduzida tanga amarela estampada com bolas pretas que lhe deixa nu o busto ainda sem características femininas. O cabelo curto encarapinhado, o corpinho magro e desengonçado e seu temperamento irrequieto dão-lhe, no mínimo, um aspecto andrógino”, contextualiza Luyten.
Freitas conta que J. Carlos chegou a desenhar o Mickey em peças publicitárias publicadas na revista O Tico-Tico.
E quando Disney visitou o Brasil, em 1941, “conheceu os desenhos do artista”. “Fez um convite de trabalho a J. Carlos, que recusou”, afirma.
Reco-Reco, Bolão e Azeitona, trio de amigos trapalhões criados pelo caricaturista Luiz Sá (1907-1979) também conquistaram logo os leitores da publicação.
Pioneira na pesquisa de quadrinhos no Brasil, Luyten lembra que o êxito da O Tico-Tico tem muito a ver com a maneira como a publicação se aproveitou do talento dos maiores das artes gráficas do país naquele tempo.
“Na minha opinião, o grande mérito da revista foi ter dois nomes gigantes das histórias em quadrinhos brasileiras: Angelo Agostini e J. Carlos”, diz.
Ela afirma que ainda há um “desconhecimento generalizado” dos primeiros personagens feitos por eles, “em parte, pela dificuldade de encontrar e mesmo consultar” antigas coleções.
Pais e filhos
Além do forte apelo à criançada, especialistas acreditam que parte do sucesso de O Tico-Tico precisa ser creditado à maneira como a revista conseguia dialogar também com os adultos — no caso, os pais que compravam a publicação para seus filhos.
“Estamos falando de uma revista com ampla circulação e com uma longevidade de mais de 50 anos, no Brasil. Ela interferiu na formação educacional e cultural de diferentes gerações populacionais do Brasil”, ressalta Almeida, destacando que a revista serviu como um espaço de incentivo à leitura, mas não só isso.
“É preciso problematizar o conteúdo dos seus textos. Estamos falando de uma revista colorida, de muitas páginas, muitas imagens, muitas ilustrações, com propagandas, com atividades didáticas, charges e caricaturas”, completa.
A pesquisadora lembra que o modelo — um jornal para crianças comprado por adultos — precisava mirar nos pequenos, mas cativar os pais.
“Como os pais avaliariam o conteúdo da revista se não a lessem?”, questiona ela.
Assim, houve um esforço da publicação em mostrar aos adultos que a revistinha conferia aos pequenos uma “formação considerada adequada”, diz Almeida.
“Essas revistas eram a televisão da época. Era preciso alguma coisa para as crianças e a leitura é o melhor brinquedo”, diz Lovetro.
A revista circulou de forma constante e periódica até 1962. A partir de então se tornou um título de publicações eventuais, sobretudo em edições de cunho paradidático — conteúdos de geografia, de história ou de literatura, direcionados ao uso em sala de aula, por exemplo.
“Havia edições bem educativas, tipo cartilhas para a escola”, comenta Lovetro.
Desde o início, a revista teve uma visão educativa e formativa. Era dirigida aos pais, que compravam as edições para os filhos e os incentivavam a ler, diz Vergueiro.
“Grande parte da publicação era composta por matérias com viés educacional, com contos, fábulas, conselhos, histórias moralizantes. As crianças eram atraídas pelas figuras, jogos, brincadeiras e histórias em quadrinhos”, completa.
Esse apelo junto aos pais influenciava nos anúncios, é claro. “Tinha propaganda de marmelada. Mas também de cigarro e remédios, algo que pode ser um espanto hoje”, afirma Santos.
Vergueiro afirma ainda que a revista soube explorar variações, sempre apresentando “novidades e personagens interessantes”.
“Manteve-se em bancas durante décadas, encantando gerações”, diz. “Tentou se adaptar, mas aos poucos seu modelo de publicações variadas foi ficando datado e ela foi perdendo espaço para outras publicações e mídias.”
A última O Tico-Tico, de número 2097, foi publicada em 1977.

Fonte: G1 Entretenimento

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Vanessa Moreno mistura o suingue da Bahia com a pulsação livre do jazz em álbum que perpetua show de 2023


Vanessa Moreno canta músicas e compositores da Bahia no palco do Teatro Raul Cortez, no Sesc 14 Bis, em show feito no projeto ‘Sesc Jazz’
Divulgação / Selo Sesc
♫ OPINIÃO SOBRE DISCO
Título: Sesc Jazz Vanessa Moreno 22 out 2023
Artista: Vanessa Moreno
Cotação: ★ ★ ★ ★ 1/2
♬ “Boa noite, pessoas queridas! Bora batucar juntos?”, propôs Vanessa Moreno à plateia do Teatro Raul Cortez, no Sesc 14 Bis, antes de cantar o ijexá Toda menina baiana (Gilberto Gil, 1979). Esse momento está perpetuado no álbum Sesc Jazz Vanessa Moreno 22 out 2023, lançado ontem, 10 de outubro, pelo Selo Sesc com inapropriada capa criada Alexandre do Amaral.
Fria e padronizada, a capa não faz jus ao conteúdo deste disco sedutor que perpetua 11 números do show apresentado em outubro de 2023 pela cantora Vanessa Moreno dentro do projeto Sesc Jazz.
Sim, jazz. Cantora paulista de São Bernardo do Campo (SP) que vem ganhando maior visibilidade desde aquele ano de 2023, Vanessa é puro suingue e transita com naturalidade pelo território livre do jazz nesse show idealizado para celebrar a música e os compositores da Bahia.
Toda menina baiana tem um jeito de jazz neste álbum aberto com Odara (Caetano Veloso, 1977), música moldada para a dança. Em abordagem que roça os seis minutos e meio, Vanessa tira Odara da pista na passagem instrumental jazzística em que fica evidenciada a fina sintonia entre Conrado Goys (guitarra), Joana Queiroz (clarinete e clarone), Leandro Cabral (piano), Rudson Daniel (percussão) e Vitor Cabral (bateria), músicos da banda orquestrada pelo baixista, arranjador e diretor musical Fi Maróstica.
Se a rigor Odara nada tem de Bahia (a não ser a origem do compositor), Samba da minha terra (1940) ecoa a manemolência da obra do compositor Dorival Caymmi (1914 – 2008), pilar da música do estado mais negro do Brasil, com a picardia do sopro de Joana Queiroz.
Cantora paulistana associada ao samba, Fabiana Cozza pega o barco em que Vanessa Moreno singra para a Bahia ao entrar em cena para dar voz a Seu moço (Roberto Mendes e Hermínio Bello de Carvalho, 1996), samba-canção gravado por Cozza há dez anos no álbum Partir (2015).
Em gravação de início lenta que tangencia os dez minutos, Seu moço é instante de calmaria melancólica até se expandir ao entrar na roda do samba do Recôncavo a partir do quinto minuto com o reforço de Vanessa no canto de pot-pourri de temas tradicionais do gênero.
Calcado no suingue do piano de Leandro Cabral, o pot-pourri abre caminho para Dona das folhas (Roque Ferreira, 2020), tema afro-brasileiro embasado pela percussão de Rudson Daniel e turbinado pelo toque da guitarra de Conrado Goys. Dona das folhas também tem a participação de Fabiana Cozza.
A partir de Barato total (Gilberto Gil, 1974), Vanessa reassume sozinha a parte vocal do show. É quando celebra a influência matricial de Rosa Passos no canto do samba Dunas (1993), parceria de Rosa com Fernando Oliveira que celebra o fim do verão em Salvador (BA) com a leveza de uma brisa. A bela lembrança de Dunas evoca a bossa referencial de João Gilberto (1931 – 2019).
Na sequência, Cego com cego (José Miguel Wisnik e Tom Zé, 1997) desloca o roteiro para o sertão baiano em registro de tom rascante que culmina no canto de Quebradeira de coco (Roque Ferreira, 2004), música não creditada pelo Selo Sesc na ficha técnica do disco (a omissão se estende nos créditos da faixa nas plataforma de streaming).
Após cantar o tema autoral Solar (2023), Vanessa Moreno cai no suingue de Emoriô (João Donato e Gilberto Gil, 1975) em abordagem apoteótica em que fica realçado o acento jazzístico evidenciado mais no começo do álbum produzido por Fi Maróstica.
No arremate, já com a convidada Fabiana Cozza de volta ao palco, Vanessa Moreno entra com a colega no mar de Iemanjá, na cadência do ijexá, através do canto de Agradecer e abraçar (1995), obra-prima dos compositores Gerônimo e Vevé Calazans (1947 – 2012). Ao longo de quase nove minutos, a música da Bahia abraça o jazz em álbum que reitera o apuro do canto de Vanessa Moreno.
Capa do álbum ‘Sesc Jazz Vanessa Moreno 22 out 2023’
Arte de Alexandre do Amaral

Fonte: G1 Entretenimento

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‘Bonita camisa, Fernandinho’, ‘Garoto Bombril’, Sebastian: veja como estão personagens de grandes comerciais brasileiros


Globo Repórter – O Brasil e a Publicidade – 10/10/2025
O Globo Repórter desta sexta-feira (10) mergulhou na trajetória da publicidade brasileira, relembrando campanhas que marcaram época, emocionaram o público e acompanharam as transformações sociais ao longo das décadas.
A reportagem conversou com os personagens que protagonizaram grandes comerciais na história da televisão.
O menino apressado do coral de Natal
Há 40 anos, Rodrigo Saltão, o menino apressado que corre para cantar com o coral, estrelou um dos comerciais de Natal mais queridos do público. Dirigido por Walter Salles, o filme publicitário foi exibido por três anos consecutivos e marcou gerações.
“Ela traz uma mensagem de esperança, de amor, e dialoga com a cultura do brasileiro, daquela história de que o brasileiro não desiste nunca”, reflete Rodrigo, hoje psicoterapeuta.
Rodrigo Saltão interpretou o menino de famoso comercial natalino
Reprodução/TV Globo
‘Bonita camisa, Fernandinho’
Entre 1984 e 1988, um comercial de moda transformou um personagem improvável em fenômeno cultural. Fernandinho, com sua camisa elogiada, virou bordão: “Bonita camisa, Fernandinho”. A frase ultrapassou os limites da propaganda e passou a ser usada para elogiar o visual de uma pessoa.
“Até hoje ouço isso e me surpreendo. Jamais imaginaria. É cultura pop, né?”, comenta Dany Roland, ator que deu vida ao personagem.
‘Bonita camisa, Fernandinho’: veja como está ator que deu vida ao personagem do famoso comercial
Reprodução/TV Globo
Sebastian
Sebastian foi o primeiro negro a protagonizar uma grande campanha publicitária no Brasil. Com sua energia contagiante, ele estrelou comerciais na tv por 20 anos, levando alegria em tempos de crise.
“Eu apareci onde as pessoas estavam deprimidas, eu apareci sorrindo. E esse sorriso veio como um bálsamo”, conta o artista, que também canta, dança e sapateia.
Sebastian foi o primeiro negro a protagonizar uma grande campanha publicitária no Brasil
Reprodução/TV Globo
Carlos Moreno, o ‘Garoto Bombril’
Carlos Moreno representou por mais de três décadas uma marca de produtos de limpeza. Com humor, simplicidade e carisma, ele conquistou uma legião de fãs e entrou para o Guinness Book como o ator que mais tempo permaneceu em uma mesma campanha.
“O que eu acho uma grande sacada é que era um personagem só, que foi ficando mais saidinho, mas nunca era o dono da bola”, explica Moreno.
Carlos Moreno representou por mais de três décadas uma marca de produtos de limpeza
Reprodução/TV Globo
Cristiana Oliveira: da propaganda à novela Pantanal
Cristiana Oliveira iniciou sua carreira em um comercial de fios de lã dirigido por Walter Salles. A propaganda abriu caminho para sua trajetória artística, que culminou na icônica personagem Juma, da novela Pantanal.
Hoje, Cristiana atua como influenciadora digital e destaca a evolução da publicidade:
“A propaganda é mais inclusiva, mais preocupada com o que está acontecendo na sociedade. Tem que ser natural e verdadeira.”
Cristiana Oliveira começou a carreira em comercial de tv e, depois, foi para a novela Pantanal
Reprodução/TV Globo
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Fonte: G1 Entretenimento