Autor: farcom

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Lenine canta Lulu Santos e Nelson Motta na trilha do remake de ‘Vale tudo’


Lenine dá voz à balada ‘Certas coisas’ na trilha sonora do remake da novela ‘Vale tudo’
Selmy Yassuda / Divulgação
♫ NOTÍCIA
♪ Exibida pela TV Globo na noite de ontem, 8 de março, e já em rotação nas redes sociais, a chamada do remake da novela Vale tudo sobre a personagem Heleninha Roitman (Paolla Oliveira) revelou mais uma música da trama que estreia em 31 de março. Trata-se da gravação da balada Certas coisas na voz de Lenine.
Apaixonada sinfonia feita de silêncios e sons, a canção Certas coisas (1984) é uma das duas obras-primas da parceria de Lulu Santos com Nelson Motta (a outra é o bolero havaiano Como uma onda, de 1983).
Certas coisas foi lançada por Lulu no álbum Tudo azul, em 1984, e ganhou a voz de Lenine 30 anos depois – em gravação feita com o exímio toque da harpa de Cristina Braga – no álbum comemorativo dos 70 anos de Nelson Motta, editado em 2014.
Muitos cantores gravaram Certas coisas ao longo dos últimos 40 anos – Milton Nascimento, Orlando Morais, Simone, Lobão, Wando (1945 – 2012), Vânia Bastos, Markinhos Moura e Marina Elali, entre outros nomes – mas quase ninguém atingiu a excelência do registro de Lenine no tributo Nelson 70.

Fonte: G1 Entretenimento

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Estatueta de ‘Flow’, primeiro Oscar da história da Letônia, é exposta em museu e gera fila de mais de uma hora


Primeiro longa a ganhar Oscar da Letônia gerou onda de orgulho semelhante à do Brasil com ‘Ainda estou aqui’. O cineastra Gints Zilbalodis, responsável pelo filme que ganhou o Oscar de melhor animação, “Flow”, usou as redes sociais para publicar um vídeo informando que a estatueta da premiação está exposta no Museu Nacional de Arte da Letônia.
“Flow” foi o primeiro longa a ganhar um Oscar na história da Letônia, e gerou uma onda de orgulho semelhante à de “Ainda estou aqui” no Brasil.
Ainda não se sabe se a estatueta do filme brasileira será exposta ao público como a da Letônia.
Em outro vídeo publicado por Gints, pessoas esperam em fila de mais de uma hora para ver a estatueta.
Estatueta do Oscar de ‘Flow’ é exposta no Museu Nacional de Arte da Letônia
O filme, sem diálogos, acompanha a jornada de um gatinho cinza escura e seus amigos que navegam por um planeta coberto por uma inundação apocalíptica.
O longa conquistou a crítica e os votantes do Oscar, tanto que superou grandes produções como “Divertida Mente 2”, da Disney, e “O Robô Selvagem”, da DreamWorks, na categoria de melhor animação.
O diretor contou que se inspirou na gatinha da infância dele, Josefine, para criar o protagonista.
Gints Zilbalodis, diretor do filme ‘Flow’.
Reprodução/Redes Sociais
Um ponto que chamou a atenção foi o seu processo de produção: o filme foi criado com o Blender, um programa de edição gratuito.
Lançado em 1995, o software de código aberto (“open source”, em inglês) é usado para edição de vídeo, modelagem 3D, animação, renderização e efeitos visuais. Com uma ampla gama de recursos gratuitos, a ferramenta é utilizada tanto por estúdios quanto por amadores, segundo a própria empresa.
Amplamente adotado na indústria do cinema, jogos e design, o Blender se destaca pelo alto nível de personalização, o que a torna uma ferramenta poderosa para trabalhos visuais, explicou Fernando Oliveira, conhecido como Fernando 3D, especialista em IA e diretor de arte, em entrevista ao g1.
Disney e Pixar também desenvolveram plugins específicos para seus filmes, como foi o caso de “Up – Altas Aventuras” e “Monstros S.A.”, e isso também pode ser feito no Blender, explica Fernando.
Processo de criação do filme ‘Flow’ no Blender
Reprodução/Blender

Fonte: G1 Entretenimento

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Funk brasileiro está prestes a virar febre global, diz ‘The Economist’


Revista britânica diz que os brasileiros modernos preferem o sertanejo, um gênero de música caipira, e o funk, um estilo que surgiu nas favelas do Rio. E que o funk pode se tornar global e mudar a marca do Brasil no processo.
Anitta se apresenta no palco durante o show ‘Ensaios de Carnaval da Anitta’, no Parque Villa Lobos, em 23 de fevereiro de 2025, em São Paulo, Brasil.
Getty Images/BBC
A atenção mundial se voltou ao Brasil depois de o filme “Ainda Estou Aqui” receber o Oscar de melhor filme estrangeiro no dia 2 de março.
A trilha sonora da obra alimenta o imaginário no exterior de que o Brasil ainda é o país do samba e da bossa nova. Mas esta imagem está “desatualizada”, diz a revista britânica “The Economist” em artigo publicado nesta quinta-feira (6).
“Os brasileiros modernos preferem o sertanejo, um gênero de música caipira, e o funk, um estilo que surgiu nas favelas do Rio. O funk, em particular, pode se tornar global e mudar a marca do Brasil no processo”, diz a revista, que destaca em seu site uma foto da cantora Anitta.
O veículo diz a seus leitores que a ascensão do sertanejo reflete as mudanças na economia do Brasil, que costumava ser baseada na indústria, mas agora é impulsionada pela agricultura.
Leo Morel, da Midia Research, disse à “The Economist” que a maioria dos produtores de música do Brasil ficava sediada no Rio, mas, à medida que a agricultura se tornou mais importante, “os Estados rurais começaram a ganhar voz”. O texto destaca que os temas dos cantores sertanejos são: gado, cerveja e caminhonetes americanas.
Apesar do domínio do sertanejo, a revista diz que o estilo tem pouco potencial de exportação. Morel diz à “The Economist” que poucos artistas sertanejos brasileiros se preocupam em se tornar globais.
A revista contextualiza o histórico do funk brasileiro, surgido no final da década de 1980 e inspirado no miami bass e electro-funk, subgêneros do hip-hop americano que incorporam bateria eletrônica.
Explica ainda que os brasileiros criaram seu próprio funk e que “desenvolveram uma subcultura em torno do gênero”, com movimentos como o “passinho” para os homens e a “rebolada” para as mulheres, que eles chamam de “uma variante acelerada do twerking”.
A “The Economist” diz que os temas e letras do funk brasileiro muitas vezes podem ser violentos.
“Em um baile funk recente em uma favela no bairro carioca da Glória, adolescentes andavam com fuzis pendurados nos ombros e cintos de cartucheiras na cintura. Um homem de 20 e poucos anos acenava com um fuzil semiautomático incrustado de ouro. Atrás do palco, homens armados guardavam uma mesa empilhada com bolsas de cocaína para venda”, descreve.
Em entrevista à revista, a professora de dança e curadora de uma exposição sobre o funk no Rio, Taísa Machado, diz que seus alunos eram frequentadores assíduos dos bailes funk. “Agora eles são dentistas e terapeutas que moram em bairros ricos. A maioria é branca. Essa normalização irritou os legisladores conservadores”.
Novos embaixadores da música brasileira?
Para a “The Economist”, se embaixadores da música do Brasil costumavam ser artistas como Gilberto Gil, “hoje o mascote preferido é a Anitta”.
A revista destaca que ela trabalhou por muitos anos para chegar ao mercado internacional, aprendeu espanhol e inglês, comprou uma casa em Miami e assinou com uma gravadora de prestígio, a Republic Records.
Diz ainda que, em 2022, ela foi a primeira brasileira a chegar ao topo das paradas globais do Spotify com sua música “Envolver”, um reggaeton cantado em espanhol.
A “The Economist” diz que o fato de ela ter precisado aprender dois idiomas e misturar gêneros para se tornar uma artista global revela a dificuldade que artistas brasileiros têm para alcançar um público internacional.
A revista conta que Beyoncé e Kanye West, duas superestrelas americanas, usaram batidas de funk em seus novos álbuns.
Um produtor com experiência nos Estados Unidos entrevistado pelo veículo disse que músicos de lá não faziam ideia do que era o funk até recentemente, mas que agora ele tem recebido ligações de Timbaland e Snoop Dogg pedindo por batidas.
A “The Economist” diz que a América Latina e a África Subsaariana são os mercados de música que mais crescem no mundo.
Roberta Pate, do Spotify Brasil, disse ao veículo que embora a América Latina tenha apenas 8% da população mundial, ela é responsável por quase um quarto da base de usuários ativos mensais do Spotify.
Diz ainda que o ingrediente fundamental para o sucesso de gêneros internacionais, como reggaeton, foi a “consistência na forma como os artistas dedicam seus recursos para conquistar o público global”.
Para a revista, se Anitta for capaz de seguir o exemplo, o crescimento global do funk pode não estar longe.
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Fonte: G1 Entretenimento

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Pianista paulistano Floriano Inácio Jr. reflete vivência entre Brasil e Suíça em ‘Duas moradas’, álbum que sai em abril


Floriano Inácio Jr. toca piano e cavaquinho ao longo das dez faixas do disco que sai em 4 de abril com dez faixas gravadas no estúdio Gargolândia, em São Paulo.
Fotografia Rota de Retrato / Divulgação
♫ NOTÍCIA
♪ Álbum que o pianista Floriano Inácio Jr. lançará em 4 de abril, com capa que expõe o músico em caricatura de Bernhard Bamert, Duas moradas reflete a vivência do artista entre o Brasil e a Suíça, precisamente entre a cidade de São Paulo (SP) e o distrito de Büllach, no país europeu onde Inácio Jr. vem consolidando a carreira no universo do jazz.
A influência do jazz está fortemente presente ao longo das 12 faixas do disco gravado, mixado e masterizado por Thiago Monteiro no estúdio paulista Gargolândia, mas o Brasil é dominante na composição e inspiração do repertório autoral. Tanto que o álbum Duas moradas abre com Gratidão, samba dedicado ao trombonista carioca Raul de Souza (1934 – 2021).
Ao longo do disco, pautado pelo diálogo entre o piano e o cavaquinho também tocado por Floriano Inácio Jr., ouve-se baiões (Sem barreiras e Longe do sertão, este com toque de ijexá), canção (The island) e o recorrente samba, gênero que dita a cadência de faixas como Bate fundo, Raposa voadora e Samba for peace.
Se Dunas nasceu sob a beleza dos Lençóis Maranhenses, Oasis é tema inspirado por viagem do músico ao deserto do Saara.
Capa do álbum ‘Duas moradas’, do pianista e cavaquinhista Floriano Inácio Jr.
Caricatura de Bernhard Bamert com arte de Kanulart Design Studio

Fonte: G1 Entretenimento

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Gal Costa tem reveladas três preciosas gravações de EP inédito feito em 1972, em estúdio, no rastro do show ‘Fa-Tal’


Com músicas de Gilberto Gil, Luiz Melodia e Dorival Caymmi, single é joia rara de alta voltagem que capta com precisão o desbunde, a energia e o clima tenso da contracultura no Brasil dos anos 1970. Capa de ‘Gal Costa (Compacto de 1972)’, lançado ontem, 7 de março, com três gravações inéditas da cantora
Reprodução
♫ OPINIÃO SOBRE DISCO
Título: Gal Costa (Compacto de 1972)
Artista: Gal Costa
Cotação: ★ ★ ★ ★ ★
♬ Admiradores de Gal Costa (26 de setembro de 1945 – 9 de novembro de 2022) ficaram tão surpreendidos quanto exultantes ao descobrirem na noite de ontem, 7 de março, que a gravadora Universal Music arremessou nos players de áudio, sem alarde e sem aviso prévio, três gravações inéditas da imortal cantora que festejaria 80 anos em 2025.
A alegria se justifica pela alta qualidade técnica e artística do single triplo lançado com o título de Gal Costa (Compacto de 1972). Os três fonogramas fazem parte de EP gravado pela artista em estúdio, entre os dias 24 e 26 de junho de 1972, no rastro do sucesso do show Fa-Tal – Gal a todo vapor (1971 / 1972), com os toques dos músicos Lanny Gordin (1951 – 2023) (guitarra), Novelli (baixo), Perna Fróes (1944 – 1923) (piano e teclados) e Tutty Moreno (bateria).
Por motivo ignorado, o EP – formato batizado de compacto duplo no jargão fonográfico brasileiro dos anos 1960 e 1970 – nunca foi lançado pela gravadora Philips e permaneceu inédito por 53 anos até ser lançado ontem.
Ao que tudo indica, Gal teria gravado quatro músicas no estúdio de São Paulo (SP). Três – A morte (Gilberto Gil, 1972), Vale quanto pesa (Luiz Melodia, 1972) e O dengo que a nega tem (Dorival Caymmi, 1941) – estão no single enfim revelado. A quarta faixa seria música de Caetano Veloso.
E o fato é que, sim, esse single inédito de Gal é joia rara de alto quilate. Enérgico, o disco capta o clima de inquietude, contracultura e indie-rock que movia a cantora na época. O som tem pegada e a voz de Gal está tinindo.
A primeira faixa, A morte, é composição de Gilberto Gil gravada naquele mesmo ano de 1972 por Jards Macalé, no antológico primeiro álbum do artista carioca, e depois somente revisitada por Ava Rocha em tributo a Macalé editado em 2013. Nem Gil gravou essa composição sombria em que o artista enfatiza o poder absoluto da morte com simbolismo pelo fato de que a morte podia estar sempre à espreita de quem lutava por democracia no Brasil ditatorial de 1972.
A gravação de Gal é bem mais virulenta do que a de Macalé, mas, no geral, há sintonia entre o som do álbum de Macalé e a pegada deste EP de Gal. Até porque músicos como o guitarrista Lanny Gordin e o baterista Tutty Moreno tocaram nos dois discos.
A segunda faixa, Vale quanto pesa, era música então inédita de Luiz Melodia (1951 – 2017), compositor que Gal apresentara ao Brasil em 1971 no mítico show Fa-Tal. Como o EP de Gal teve o lançamento abortado, Vale quanto pesa acabou sendo apresentada no primeiro álbum de Melodia, Pérola negra, lançado em 1973.
O registro de Gal esbanja energia e tensão em corrente elétrica sustentada pela alta voltagem do canto da artista e pelo toque frenético da banda, sobretudo do piano de Perna Fróes e da bateria marcada com vigor por Tutty Moreno. Há toque de latinidade na faixa, evidenciado a partir do segundo minuto do fonograma.
Por fim, o samba O dengo que a nega tem encerra o disco em clima de desbunde. A faixa dura sete minutos e 20 segundos. O remelexo é incomum em abordagens de sambas de Dorival Caymmi (1914 – 2008), compositor baiano que se tornaria indissociável do canto de Gal ao longo da década de 1970. A partir do quinto minuto, a nega ginga na batida noise de indie-samba-rock, com improvisos de Gal e da banda em verdadeira jam.
A faixa exemplifica com perfeição o papel desempenhado por Gal Costa como musa da contracultura brasileira naqueles anos de chumbo. A voz cristalina da artista foi farol na escuridão da ditadura.
O lançamento desse single triplo, pérola rara, é alento para os admiradores de Gal Costa, que já podem sonhar com mais gravações inéditas – e há no acervo da Universal Music registros integrais de shows feitos pela cantora na década de 1970 – no ano do 80º aniversário da artista, saudade doída do Brasil.

Fonte: G1 Entretenimento

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Salve Joyce Moreno, compositora que escandalizou a moral do homem ‘da cor brasileira’ ao dar voz à mulher na MPB


Joyce Moreno, a primeira compositora a escrever música na primeira pessoa do singular feminino
Reprodução / Facebook Joyce Moreno
♫ CRÔNICA
♩ É difícil não pensar em Joyce Moreno quando chega 8 de março, Dia Internacional da Mulher. Sob o prisma da música brasileira, a cantora, compositora e violonista carioca permanece como referência na área feminina.
Joyce não foi a pioneira, mas foi a primeira compositora que deu voz à mulher na MPB. Antes dela, Chiquinha Gonzaga (1847 – 1935), Ivone Lara (1922 – 2018), Dolores Duran (1930 – 1959) e Maysa (1936 – 1977) furaram a bolha masculina na área da composição para mostrar que mulher também sabia fazer música. E bem.
Maysa inclusive conseguiu a proeza então inédita de debutar no mercado fonográfico em 1956 com álbum autoral. O salvo-conduto da artista no território autoral foi o fato de o disco Convite para ouvir Maysa ter caráter beneficente. Em bom português: para a moral machista da época, Maysa estava “liberada” para gravar as próprias músicas porque a causa era nobre.
Foi aí que chegou Joyce Moreno nos anos 1960 para balançar o coreto e escrever capítulo decisivo nessa história. Diferentemente das antecessoras e das contemporâneas como Sueli Costa (1943 – 2023), criadora de melodias sensíveis letradas por poetas homens, Joyce se posicionou como mulher nas músicas que compunha.
“Já me disseram / Que meu homem não me ama / Me contaram que tem fama / De fazer mulher chorar / E me informaram que ele é da boemia / Chega em casa todo dia bem depois do sol raiar / Só eu sei / Que ele gosta de carinho / Que não quer ficar sozinho / Que tem medo de se dar / Só eu sei / Que no fundo ele é criança / E é em mim que ele descansa / Quando para pra pensar”, cantou Joyce no palco de um festival da canção, em 1967, ao apresentar o autoral samba-canção Me disseram.
Es-cân-da-lo na então novata MPB! “Como uma mulher ousa escrever música na primeira pessoa do singular feminino?”, questionou a intelectualidade masculina, com doses cavalares de machismo e moralismo. Na imprensa, os ataques vieram de cronistas incensados como Sérgio Porto (1923 – 1968), o Stanislaw Ponte Preta.
Joyce foi em frente sem se curvar à moral da época, amargou certo ostracismo comercial na década de 1970, mas, a partir de 1979, o jogo virou na MPB. E as mulheres foram para o pódio com músicas compostas com orgulho de ser mulher. 1979 foi ano em que apareceram Angela RoRo, Fátima Guedes, Joanna, Marina Lima… O ano em que Joyce Moreno reapareceu para o público, de início como compositora.
O ano em que Elis Regina (1945 – 1982) e Maria Bethânia gravaram músicas então inéditas de Joyce, Essa mulher e Da cor brasileira, ambas com letras escritas pela poeta Ana Terra e repletas de feminilidade. O ano em que o Brasil cantou o samba Feminina, composto por Joyce, gravado pelo Quarteto em Cy e amplificado na trilha sonora da série Malu mulher (TV Globo, 1979), marco da teledramaturgia brasileira no universo feminino. Em 1980, o samba Feminina ganhou a voz da compositora no álbum intitulado… Feminina.
Travada de forma pacífica, com as armas da música, a guerra estava vencida pelas mulheres para sempre, ainda que a indústria fonográfica ainda permaneça como um reduto dominado pelo poder masculino.
Por isso hoje, 8 de março de 2025, é dia de lembrar quem arrombou as portas que insistiam em permanecer fechadas para as compositoras que ousavam dizer o pronome eu.
E essa mulher é Joyce Silveira Moreno, a velha maluca, como ela mesma se perfilou no título de samba apresentado em 2018. A mulher que escandalizou a moral do homem da cor brasileira naquele festival de 1967. A artista que acaba de aprontar álbum com músicas inéditas previsto para ser lançado neste primeiro semestre de 2025 para dar continuidade a uma história feita com bravura na década de 1960.
Salve Joyce Moreno!

Fonte: G1 Entretenimento

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Pamela Anderson fala de rumos da carreira, após elogios como atriz: ‘Amo minha vida selvagem’


Atriz se tornou embaixadora do ‘no make-up’, um convite para se libertar da maquiagem. Aos 57 anos, ela disse que se sentiu atriz pela 1ª vez graças ao filme ‘The Last Showgirl’. A atriz Pamela Anderson, de 57 anos, em ‘The Last Showgirl’
Divulgação
A atriz Pamela Anderson, de 57 anos, conta que pela primeira se sente “como uma atriz”. Estrela e vítima em Hollywood, a atriz se liberta de sua imagem de símbolo sexual em “The Last Showgirl”, filme dirigido por Gia Coppola, neta do diretor Francis Ford Coppola. Pelo papel, ela recebeu uma indicação ao Globo de Ouro.
“Amo o lado selvagem e desordenado da minha vida, porque tenho muitas coisas que aprender, muitas experiências”, confessa Pamela. Nos últimos anos, ela se tornou embaixadora do “no make-up”, um convite para se libertar da maquiagem e, ao mesmo tempo, dos padrões da beleza feminina.
O filme, que narra os últimos dias de uma bailarina como profissional em um cabaré de Las Vegas que está para fechar suas portas, mostra como a indústria do entretenimento se desfaz daquelas das quais não precisa mais.
“Um papel feito à medida para a atriz nascida no Canadá, que apareceu na capa da revista Playboy nos anos 1990, antes de se tornar ícone da série “S.O.S. Malibu”.
Pamela Anderson, atriz de ‘The Last Showgirl’, no 82º Globo de Ouro em Beverly Hills, na Califórnia (EUA)
Jordan Strauss/Invision/AP
Pamela Anderson também foi símbolo dos excessos da cirurgia estética e uma das primeiras vítimas de chantagem com vídeos íntimos, quando era casada com o rockeiro Tommy Lee.
“Se olho para trás, provavelmente teria feito as coisas de maneira diferente, mas precisava da experiência da vida para aprender”, revela. “Não foi chato! Às vezes difícil, às vezes estúpido, às vezes ridículo. Mas é assim que você deve viver”, acrescenta.
‘Maldição’
Nos últimos anos, longe dos holofotes, Pamela Anderson multiplicou suas batalhas políticas, ao lado de Julian Assange, ou em defesa dos animais, especialmente quando vivia em Marselha, casada com o jogador Adil Rami.
“Ser parte da cultura popular pode ser uma espécie de maldição”, diz. “Você se torna famosa por uma coisa, e depois é realmente difícil para as pessoas verem algo além disso.”
Pamela Andeson na série ‘S.O.S. Malibu’
Divulgação
A atriz parece querer retomar o controle da narrativa de sua vida, que durante muito tempo foi confiscada pelos paparazzi e pela imprensa sensacionalista.
Depois da série “Pam&Tommy”, filmada sem sua autorização e que abordava sua relação com o músico e o pai de seus dois filhos, lançou seu próprio documentário sobre sua vida, alimentado por seus arquivos pessoais e transmitido na Netflix, “Pamela Anderson: Uma História de Amor”.
Foi ao ver esse documentário que Gia Coppola decidiu rodar “The Last Showgirl” com ela: “Estava no jardim, preparando picles”, diz Pamela Anderson, sorrindo. Ela voltou a viver em Vancouver, sua cidade natal.
“Pensava que minha carreira como atriz havia terminado. Mas agora, me sinto atriz. Pensava que era o final, mas na realidade, era o começo.”
A história dessa dançarina de cabaré no final de sua carreira, refletindo sobre sua vida e sobre como ela não teve tempo de ver sua filha crescer, a tocou imediatamente. “Adoro o fato de esse filme não estar lá para explorar algo. Ele não mostra a violência contra as mulheres. É apenas um belo filme sobre um ser humano imperfeito que encontra seu caminho depois de ser uma dançarina de cabaré em Las Vegas”, declara ela com convicção.
“Tomei caminhos pouco ortodoxos para chegar até aqui”, continua ela. “Sempre gostei de cinema e teatro. Sempre li avidamente. Sempre gostei de filosofia. Espero um dia atuar em uma peça de Tennessee Williams. Eu adoraria, por que não? Você só precisa continuar surpreendendo as pessoas”, diz ela.

Fonte: G1 Entretenimento

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Paula Lima se ambienta na atmosfera da ‘disco music’ com o single ‘Deguste’


Paula Lima lança o single ‘Deguste’, produzido por Duani
Juliana Helcer / Divulgação
♫ NOTÍCIA
♪ Cantora projetada no universo dos bailes black de São Paulo, de início como vocalista da banda Funk Como Le Gusta e depois em carreira solo iniciada há 24 anos com o aclamado álbum solo É isso aí (2001), Paula Lima continua na pista.
Contudo, Deguste – inédito single gravado em estúdio pela artista e posto em rotação na noite de ontem, 6 de março – muda o clima da pista. Em vez de cair no suingue do samba-rock, Deguste ambienta Paula Lima na atmosfera festiva e dançante da disco music.
A propósito, a música Deguste começou a nascer quando Duani mostrou a Paula a base disco do tema. Duani é o produtor musical do single Deguste e assina a composição em parceria com Paula Lima e com Elana Dara e Jenni Mosello, convidadas a se juntar ao time de criação para dar o que a artista caracteriza como “novo olhar” para a música.
O single Deguste abre o ano fonográfico de Paula Lima e, na discografia da cantora, sucede O universo que habita em mim (2024), single editado no fim de outubro.
Capa do single ‘Deguste’, de Paula Lima
Juliana Helcer / Divulgação

Fonte: G1 Entretenimento

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Gene Hackman morreu por Alzheimer e problemas cardíacos e respiratórios, diz investigador


Os investigadores também dizem que Betsy Arakawa, encontrada morta junto Gene, morreu devido a uma síndrome pulmonar. Gene Hackman, de 95 anos, e a esposa dele, Betsy Arakawa
Reprodução/Instagram
A morte do ator Gene Hackman foi causada por doença cardiovascular, pressão alta crônica, problemas respiratórios e doença de Alzheimer. É o que diz um médico que investiga o caso. A análise foi publicada pela agência de notícias Reuters nesta sexta-feira (7).
A investigação também comenta sobre Betsy Arakawa, que era esposa de Gene e também foi encontrada morta na casa onde moravam. Ela morreu devido a uma síndrome pulmonar e, provavelmente, antes do marido.
Gene e Betsy foram encontrados mortos em 27 de fevereiro, na casa onde moravam no estado do Novo México, nos Estados Unidos.
O que aconteceu
O casal e um cachorro foram encontrados mortos na casa onde moravam;
A polícia chegou até o local após um zelador da região telefonar para socorristas. Na ligação, ele diz que suspeita estar vendo cadáveres — pelas janelas da casa. Ele também chora e parece assustado;
Ao chegar ao local, a polícia encontrou a porta da casa aberta;
Betsy foi encontrada no banheiro. Ao seu lado, havia um aquecedor de ambiente e um frasco de comprimidos aberto, com pílulas espalhadas ao redor. Seu corpo estava em estado de decomposição, com inchaço facial e mumificação nos pés e mãos;
Já Gene estava em uma sala separada da residência;
O cachorro que morreu era um pastor alemão. Seu cadáver estava a cerca de quatro metros de Betsy, no closet do banheiro;
Além do pastor alemão, a polícia encontrou outros dois cães da família, mas esses estão vivos. Um deles estava dentro da casa, e o outro do lado de fora;
A família do casal acredita que as mortes podem ter sido causadas por envenenamento por monóxido de carbono;
Não há trauma externo em nenhum dos indivíduos, segundo a autópsia preliminar.
O corpo de bombeiros verificou a cena e disse que não encontrou nenhum sinal de vazamento de monóxido de carbono ou envenenamento;
O xerife Adan Mendoza afirma que os cadáveres já estavam ali há pelo menos um dia.

Fonte: G1 Entretenimento

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Lady Gaga frustra expectativas em disco com boas referências, mas nostálgico demais


Primeiros singles de ‘Mayhem’ indicavam caminho grandioso, mas cantora que virá ao Brasil em maio é um pouco menos Mother Monster do que alguns imaginavam; leia análise do g1. Lady Gaga acabou se colocando em uma armadilha ao escolher “Disease” e “Abracadabra” como os dois primeiros singles solo de seu novo álbum, “Mayhem”. Expectativas foram criadas, especialmente entre os que nunca superaram o auge da cantora.
A segunda música, um pop dançante tão monumental quanto “Bad Romance”, chegou ao ponto de conquistar a honraria máxima da música no Brasil: ganhou a versão em forró “Abracachaça”, sucesso no carnaval deste ano.
No entanto, o trabalho completo, divulgado nesta sexta-feira (7), traz consigo uma notícia:
A Lady Gaga que virá ao Brasil em maio, para um show gratuito na Praia de Copacabana, é um pouco menos Mother Monster do que alguns imaginavam.
Lady Gaga em Copacabana, finalmente… relembre estreia no Brasil e drama do Rock in Rio
Lady Gaga no Grammy 2025
Matt Winkelmeyer / GETTY IMAGES NORTH AMERICA / Getty Images via AFP
Considerando as prévias, o que a maioria estava esperando eram hinos grandiosos, refrãos exagerados e uma atmosfera teatral. Fãs já se preparavam para chafurdar na graxa de um som industrial bem sujo. O próprio nome indicava: “mayhem” quer dizer caos, em inglês. Não havia outra alternativa senão um disco caótico, conectado ao que há de mais antenado na música, mas sem deixar de lado o passado no dark pop.
Sétimo álbum de Gaga (considerando apenas os trabalhos solo de estúdio, com músicas inéditas), “Mayhem” marca o retorno da cantora ao estilo que foi responsável por sua ascensão, a partir do disco “The Fame”, de 2008, relançado no ano seguinte como “The Fame Monster”.
Com seus primeiros trabalhos, a artista de Nova York (EUA) esmagou o minimalismo com saltos plataforma, inaugurando uma era de excessos, em que a ambição se tornou lei na produção da música pop. Como personalidade da mídia, virou a “celebridade perfeita” — como ela mesma menciona agora, neste novo álbum –, aparecendo no Grammy dentro de um ovo e indo ao VMA num vestido feito de carne.
Lady Gaga usou vestido feito de carne no MTV Video Music Awards (VMA) de 2010
Mark Ralston/AFP
Mas, entre 2014 e 2024, Gaga se dispersou em incursões pelo jazz, country, folk e em trabalhos no cinema. No ano passado, seu bom desempenho em “Coringa: Delírio a Dois” não foi o suficiente para salvar o filme de um fiasco. “Harlequin”, álbum que ela lançou como complemento do longa, foi o que vendeu menos em toda a sua carreira.
Blondie a Michael
No “Mayhem”, ela traz, sim, o dark pop de volta, porém numa embalagem diferente.
Ao longo de 14 faixas, a cantora se entrega de corpo e alma a referências dos anos 1970 e 80, que vão do power pop punk da banda Blondie (“Zombieboy” é divertida) ao vocal dançante de Michael Jackson (ele ficaria orgulhoso ouvindo “Shadow of a man”).
É uma escolha interessante, que faz do “Mayhem” uma experiência cheia de groove. Junte a sensualidade de Prince, o brilho de David Bowie e o desespero de Gaga e encontre “Killah” (com o DJ francês Gesaffelstein), a melhor música do disco.
“Vanish into you” é construída com a tensão de algumas das faixas mais legais do “Born this way”, álbum de 2011. Com a levada funk e um refrão gritado, que certamente funcionará muito bem ao vivo, Gaga encontra o tom certo entre Bowie e Chappell Roan.
Bruno Mars e Lady Gaga levam prêmio de melhor performance pop de dupla ou grupo no Grammy 2025, pela música ‘Die with a smile’
KEVIN WINTER / GETTY IMAGES NORTH AMERICA / Getty Images via AFP
Em outros momentos, porém, o conceito do novo disco se torna nostálgico demais, sem identidade.
“How bad do u want me” é inspirada em “Only you”, clássico de 1982 da dupla britânica Yazoo. Mas tem sintetizadores criando uma batida genérica que poderia ser de qualquer pop do início dos anos 80. E, estranhamente, parece muito uma música de Taylor Swift.
O vocal meloso de “How bad do u want me” parece deslocado, da mesma forma que a balada “Blade of grass” (que poderia estar na trilha sonora de “Nasce uma estrela”, filme protagonizado por Gaga em 2018) parece servir apenas para introduzir o megahit “Die with a smile”. Lançada em agosto de 2024, a colaboração da cantora com Bruno Mars é há 28 semanas a música mais ouvida do mundo no Spotify.
“The beast” mais uma vez evoca Michael Jackson e desperdiça um “tique-taque” hipnotizante em um arranjo suave demais, e a letra de “LoveDrug” repete uma receita muito parecida com a de “Disease”: amor, droga, remédio, veneno… A riqueza de metáforas nunca foi um trunfo de Lady Gaga.
“Mayhem” não é um álbum ruim. Longe disso: as boas referências criam pontos fortes. Mas talvez seja discreto demais para um momento em que muita gente estava sedenta por Gaga em sua versão mais exagerada, disruptiva e ousada. Agora, ela parece um monstrinho mais inofensivo.

Fonte: G1 Entretenimento