Categoria: ENTRETERIMENTO

Existem na internet muitas playlists com música para cães e gatos. Será que elas realmente ajudam os animais a relaxar, como parece ter acontecido com Margot, na foto?
Serenity Strull
Quando a editora de fotografia da BBC Serenity Strull resgatou sua cadela Margot, logo soube que a mestiça de pitbull de três anos de idade sofria de ansiedade.
“O abrigo a classificava como tímida e boa para crianças, mas nervosa e insegura em relação a outros cachorros”, conta Strull.
Margot chegou a tomar Prozac, mas o antidepressivo estava causando convulsões. Por isso, eles decidiram suspender a medicação.
Quando levou Margot para casa, Strull percebeu rapidamente que o maior gatilho da cachorrinha era ficar sozinha. Ela consultou diversos médicos e treinadores e tentou diferentes técnicas para acalmar Margot, sem sucesso.
Até que um método, finalmente, funcionou: tocar música clássica ou canções instrumentais sem muita percussão.
Veja os vídeos que estão em alta no g1
Um dos treinadores de Margot recomendou Through a Dog’s Ear, uma série de composições lentas, predominantemente de piano, criadas para ajudar a reduzir o estresse nos cães.
Ela foi criada pelo especialista em psicoacústica (o estudo da forma de percepção do som) Joshua Leeds e pela neurologista veterinária Susan Wagner. Eles estudaram o efeito daquele tipo de música sobre os cachorros.
Leeds e Wagner observaram mais de 150 cães em canis e residências particulares. Eles concluíram que mais de 70% dos cães de canis e e 80% dos cachorros que vivem em residências exibiram menos sintomas de ansiedade (como andar de um lado para o outro, tremores e respiração ofegante) depois de ouvir música predominantemente de piano.
Na sua câmera de segurança, Strull observou quase imediatamente o efeito sobre Margot.
Ela conta que costumava receber mensagens de texto dos vizinhos, que se queixavam dos seus latidos quando ficava sozinha. Agora, ela dorme tranquilamente ao som de Brahms ou Beethoven, enquanto sua tutora está fora de casa.
“Houve ocasiões em que só cheguei em casa às 4 horas da manhã e ela estava simplesmente dormindo”, conta Strull.
Estudos científicos chegaram a conclusões similares.
Uma pesquisa da Universidade Queen’s de Belfast, no Reino Unido, examinou o impacto de três tipos de sons em cães de canis e em residências particulares: música clássica, audiolivros e silêncio (o grupo controle).
Depois de observar atentamente as mudanças de comportamento, os pesquisadores concluíram que a música clássica apresentou notável efeito calmante em “situações de estresse agudo”, como visitas ao veterinário e longas viagens de carro.
Mas nem todos os estilos de música clássica são eficientes. Composições lentas (50-60 batidas por minuto ou menos), simples, com poucos ou nenhum elemento de percussão são as melhores.
Demonstrou-se que esta combinação reduz os níveis de cortisol (o hormônio que indica reação de estresse) nos cães. Mas o motivo deste efeito não é bem conhecido.
“A explicação mais plausível é que existe algo inerentemente relaxante neste gênero de música, que talvez resulte na liberação de substâncias que causam um estado mental prazeroso”, afirma a pesquisadora do comportamento animal Deborah Wells, da Universidade Queen’s de Belfast, e uma das autoras do estudo.
Wells estudou os efeitos da música clássica em diversas espécies animais, incluindo as encontradas em zoológicos, como elefantes e gorilas.
“Os gorilas e elefantes que vivem em zoológicos demonstraram melhoria do bem-estar, passando menos tempo em comportamento estereotípico e/ou agressões”, afirma Wells.
Outras melhorias de bem-estar incluem melhores hábitos de sono e alimentação, sistema imunológico mais forte e maior fertilidade.
[bbc nao usar] Ouvir música clássica parece ter ajudado a reduzir a ansiedade de Margot
Madeleine Jett
Animais e seres humanos possuem capacidades auditivas naturalmente diferentes.
Os cães têm cerca de três vezes a faixa de audição dos seres humanos (frequências de até 65 mil Hertz). Por isso, eles conseguem ouvir sons e tons muito mais distantes que o ouvido humano médio.
Os gatos podem detectar frequências ainda mais altas (até 79 mil Hertz). Por isso, a buzina de um carro na rua ou mesmo o estalar de uma folha de papel-alumínio pode fazer com que eles corram para dentro do armário.
Foram realizados poucos estudos sobre os efeitos calmantes da música nos gatos. Mas uma pesquisa encontrou correlação.
Os pesquisadores colocaram fones de ouvido em 12 gatos sedados para castração e tocaram três tipos de sons sucessivamente: as canções Torn, de Natalie Imbruglia, Adágio para Cordas, de Barber, e Thunderstruck, do AC/DC.
A música clássica resultou em respiração mais lenta, menores batimentos cardíacos e maior dilatação da pupila, três indicadores do efeito calmante.
Outros tipos de sons
A música clássica não é o único gênero que pode acalmar os animais de estimação. O reggae e o rock suave, com ritmo simples, andamento lento e sem forte percussão, também relaxaram os cães nos abrigos.
Outro estudo que observou 35 gatos em um hospital concluiu que a música instrumental também reduziu sua velocidade respiratória, desde que não incluísse frequências muito altas ou baixas, como piano, flauta e cordas.
Os audiolivros podem também parecer acalmar os gatos, especialmente com narradores com voz suave. Mas a prática não confirma a teoria.
Um estudo realizado por Wells e colaboradores em 2022 observou as reações de 60 cães a música clássica ou audiolivros, durante uma breve ausência dos seus tutores. A pesquisa concluiu que os audiolivros tiveram pouco ou nenhum efeito calmante.
Em vez de se sentarem ou deitarem, como faziam ao ouvir a música, os cachorros ficavam simplesmente olhando para o alto-falante, de onde saía o som do audiolivro.
Música com andamento lento e sem muita percussão parece ser a mais tranquilizante para os cachorros
Madeleine Jett
Diversos estudos indicam o poder calmante da música clássica, mas isso não significa que irá funcionar em todos os cães, gatos ou elefantes.
Os estudos são principalmente realizados em pequena escala e têm pouca duração. Eles também se concentram basicamente em abrigos ou ambientes hospitalares, que são ambientes particularmente estressantes.
Outra distorção da pesquisa é a quantidade de subcategorias de música clássica ou instrumental e como essa variação pode influenciar significativamente o efeito da música.
A compositora e musicoterapeuta comportamental Janet Marlow observou esta questão com seus próprios pets. Por isso, ela começou a criar músicas para acalmá-los e, eventualmente, beneficiar muitos outros animais.
“Comecei a compor e testar música destinada especificamente à biologia auditiva de cães, gatos, cavalos e outras espécies animais”, ela conta.
Esta abordagem personalizada permitiu a ela retirar “frequências que causavam agitação e ajustar o andamento e a harmonia para que o som ressoasse de forma confortável”.
Por fim, ela criou um catálogo composto de uma mistura de gêneros chamado Pet Acoustics, aprovado por diversos estudos científicos.
Se você for testar Through a Dog’s Ear, as composições de Marlow ou uma seleção de música clássica escolhida por você mesmo, descobrir o que funciona para o seu pet provavelmente será um exercício de tentativa e erro.
Mas, se a experiência de Margot servir de indicação, os sons calmantes corretos podem fazer toda a diferença.

As ilustrações de Arthur Rackham (1867-1939) no livro As Lendas de Ingoldsby (1907) retratam a feiticeira de manto preto e chapéu alto
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Qual é a primeira imagem que vem à sua mente quando você ouve falar em uma bruxa?
Talvez seja a vassoura, relacionada à heresia e à bruxaria desde 1342, quando a irlandesa Alice Kyteler (1280-1325) foi acusada de feitiçaria.
Ao fazer uma busca em sua casa, um investigador encontrou o objeto subversivo, “que ela usava para passear e galopar em qualquer situação”.
Ou pode ser o caldeirão, usado para preparar as poções em Macbeth, de William Shakespeare (1564-1616): “Dobrem, dobrem, trabalho e problemas; o fogo queima e o caldeirão borbulha” era o encantamento das bruxas, que se tornou um ícone.
‘Wicked: Parte 2’ aprofunda o musical com desfecho que pode cansar, mas emociona
Mas, talvez, a imagem mais persistente da feiticeira seja o chapéu cônico, presente no clássico romance infantil O Maravilhoso Mágico de Oz (1900), de Frank L. Baum (1856-1919), e em diversas oportunidades no cinema e na televisão.
O chapéu cônico das feiticeiras pode ser observado, por exemplo, no filme O Mágico de Oz (1939), que trouxe a assustadora interpretação da atriz Margaret Hamilton (1902-1985) como a Bruxa Má do Oeste; nos desenhos dos créditos de abertura da série de TV A Feiticeira (1964-1972); nos filmes de Harry Potter (2001-2011); e, é claro, na retratação de Elphaba por Cynthia Erivo em Wicked (2024-2025), cuja segunda parte estreou nos cinemas no mês de novembro.
Mas alguns dos primeiros exemplos de chapéus cônicos da história são majestosas obras-primas douradas, decoradas com símbolos astronômicos da Idade do Bronze. Acreditava-se, na época, que os sacerdotes que os usavam tinham poder e conhecimento divino.
Chapéus pontiagudos já foram encontrados em múmias chinesas dos séculos 4 a 2 a.C. Elas receberam o apelido moderno de “Bruxas de Subeshi”, quando seus túmulos foram desenterrados em 1978.
Chapéus altos e pontiagudos, conhecidos como capirotes, foram empregados ao longo da história como instrumentos de perseguição
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Mas como o chapéu pontiagudo se tornou sinônimo de feitiçaria? Existem diversas teorias a este respeito.
O uso obrigatório de chapéus cônicos foi imposto ao longo da história como instrumento de perseguição e identificação forçada.
As pessoas que manifestassem opiniões ou crenças contrárias às religiões ortodoxas, especialmente à doutrina cristã, eram chamadas de heréticas e forçadas a usar o chapéu para identificá-las.
No século 13, a Igreja Católica Romana obrigou homens judeus a usar chapéus pontiagudos em forma de cone, conhecidos como chapéus judeus.
Em 1478, teve início a Inquisição Espanhola, que obrigou o uso de chapéus ou capuzes altos e afilados, chamados de capirotes, como forma de identificação das pessoas acusadas de heresia, apostasia (renúncia da fé), blasfêmia e feitiçaria, entre outros crimes.
O capirote é usado até hoje em festivais religiosos na Espanha, especialmente durante a Semana Santa.
Teria sido este capítulo da história um fator que levou ao ressurgimento posterior do chapéu pontudo como símbolo de bruxaria? Existem diferentes opiniões sobre esta hipótese.
O Voo das Bruxas, de Francisco Goya (1746-1828), retrata três figuras flutuantes usando chapéus cônicos altos, carregando um homem no ar
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Vários séculos após o início da Inquisição, o artista espanhol Francisco Goya (1746-1828) fez referência ao capirote no seu quadro O Voo das Bruxas (1798). Nele, três feiticeiras carregam um homem flutuando no ar.
Historiadores da arte interpretaram de diversas formas a pintura e seus chapéus cônicos. Acredita-se que a obra seja uma crítica satírica da superstição e da ignorância.
Criada durante o Iluminismo, a pintura mostra as bruxas suspensas no ar com aparência grotesca, vestindo chapéus cônicos ao lado de um burro, que simboliza a ignorância. Seus chapéus relembram a mitra eclesiástica ou, talvez, os capirotes usados pelos heréticos.
Abaixo delas, dois homens reagem ao que percebem como sendo um evento demoníaco ou sobrenatural. Alguns críticos consideram que esses homens representam o medo e a desilusão.
A cerveja das bruxas
Na Idade Média, quem usava os chapéus pontiagudos eram as alewives — as mulheres cervejeiras daquela época. Seus conhecimentos de fitoterapia fortalecem a conexão ao uso de caldeirões para misturar poções.
“‘Mulheres inteligentes’, herbalistas e idosas vêm sendo observadas com suspeita em muitas culturas há milênios. Por isso, as mulheres cervejeiras entraram neste grupo.”
“Pessoas supersticiosas e sem formação consideravam essas pessoas como sendo ‘as outras'”, explica a especialista em álcool Jane Peyton às escritoras Tara Nurin e Teri Fahrendorf, no seu livro A Woman’s Place Is in the Brewhouse: A Forgotten History of Alewives, Brewsters, Witches, and CEOs (“O lugar da mulher é na cervejaria: a história esquecida das alewives, cervejeiras, bruxas e CEOs”, em tradução livre).
A primeira ilustração conhecida de uma feiticeira usando um chapéu pontiagudo preto é de 1693
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A professora de História do início da Idade Moderna Laura Kounine, da Universidade de Sussex, no Reino Unido, acredita que a associação entre as alewives e a feitiçaria tem “um pouco de mito” e foi criada posteriormente.
Ela conta à BBC que, no século 16, “todos tinham um caldeirão, que as pessoas usavam para cozinhar. Todos tinham uma vassoura e todos usavam chapéu — não necessariamente um chapéu pontiagudo, mas algum tipo de chapéu.”
“Diversos bonés e chapéus teriam sido usados por todas as mulheres, dependendo da sua posição social e situação conjugal”, explica a professora.
Kounine ensina a história da feitiçaria. Ela defende que, na verdade, o que diferenciava as supostas bruxas do restante da população no início da Idade Moderna era justamente o fato de que elas não usavam chapéu.
“Se você observar as imagens daquela época, as realmente impressionantes como Bruxa Andando para Trás em uma Cabra (1501-02), de Albrecht Dürer (1471-1528), ou As Bruxas (1510), de Hans Baldung Grien (c.1484-1545), as feiticeiras são ilustradas com a cabeça descoberta.”
“Seu cabelo livre e rebelde está solto, o que simboliza suas paixões desenfreadas e demonstra que elas eram o inverso da ordem social moral”, explica a professora. “Você não usaria cabelo solto no início da Idade Moderna, pois significaria que você era uma pessoa sexualmente depravada.”
O mundo invisível
O exemplo mais antigo conhecido do chapéu cônico relacionado a uma bruxa está no livro As Maravilhas do Mundo Invisível (1693), de Cotton Mather (1663-1728). A obra ilustra uma feiticeira voando em uma vassoura ao lado do demônio.
Mas Kounine ainda questiona se Mather realmente pretendia indicar que o chapéu pontiagudo identifica uma bruxa.
“Isso ocorre porque muitas pessoas usavam chapéus pontiagudos na época”, ela conta. “Não existe nele nada significativo relacionado a bruxas.”
Pinturas do século 17, como Retrato de Esther Inglis, de autor desconhecido, e Retrato da Sra. Salesbury com Seus Netos Edward e Elizabeth Bagot, de John Michael Wright (1617-1694), ilustram mulheres usando simplesmente o chapéu cônico alto da moda da sua época, sem nenhuma conexão com a feitiçaria.
A relação entre o chapéu pontiagudo e as bruxas veio posteriormente. Ela surgiu nas obras de arte e nos contos infantis entre meados e o final do século 17 e os séculos 18 e 19.
É muito possível que a imagem do chapéu cônico, que estava na moda no século 17, seja a que relacionamos ao longo dos séculos e que permanece até hoje, sem nenhuma conotação ocultista explícita naquela época.
Kounine destaca que muitas mulheres usaram chapéus cônicos ao longo da história. Elas incluem as heroínas de contos de fadas, como Cinderela e a Bela Adormecida.
Seus chapéus coloridos eram inspirados nos chapéus altos com formato cônico usados pelas mulheres nobres europeias, desde o século 15.
Talvez seja esta a indicação de que o chapéu faz contato com o mal? Kounine concorda com esta possibilidade.
Ela indica a peça de 1621 A Bruxa de Edmonton, de William Rowley (c.1585-1626), Thomas Dekker (c.1572-1632) e John Ford (1586-c.1639). Nela, uma feiticeira conversa com o demônio na forma de um cão preto chamado Tom.
Ao longo da história, costumava-se dizer que o demônio se vestia de preto.
“Grande parte do motivo foi o fato de que as obras de arte da época eram xilogravuras e, por isso, elas precisavam ser pretas, mas também era costume dizer que as bruxas se reúnem na escuridão da noite”, explica Kounine.
“Por isso, existe uma associação entre as artes sombrias, a noite e a clandestinidade. Você não sabe quem é a feiticeira, sob o manto da escuridão. O preto se torna o símbolo do mal e das trevas.”
A recuperação da bruxa
A percepção moderna da feiticeira como uma mulher idosa hedionda se deve, em grande parte, ao romance de Baum, O Maravilhoso Mágico de Oz.
Seu livro infantil sobre as aventuras de Dorothy Gale e seu grupo de companheiros desajustados em Oz foi adaptado para o cinema e lançado em 1939.
O filme O Mágico de Oz trouxe a Bruxa Má do Oeste de Hamilton, gargalhando com sua pele verde e nariz recurvado, que segue causando pesadelos em diversas gerações de crianças, a cada reprise na TV.
Mas o feminismo incentivou as mulheres a reivindicar características e estilos de vida antes associados às pessoas acusadas de feitiçaria ao longo da história. Elas incluem a forte solidariedade feminina, curas holísticas e a independência dos homens, até os valores ecofeministas e a autonomia sexual.
Surgiu, então, uma compreensão mais sutil do arquétipo da bruxa. Agora, ela é considerada uma encarnação radical da batalha contra a misoginia e a opressão patriarcal.
Um exemplo é a expressão popular que ilustra de tudo, de legendas no Instagram até almofadas: “Somos as filhas das bruxas que vocês não conseguiram queimar.”
Ou, nas palavras de Kounine, “a bruxa, agora, é um símbolo de autoempoderamento, subversão do patriarcado e feminismo.”
O romance Wicked (1995), de Gregory Maguire, deu origem ao musical de sucesso da Broadway e, agora, aos dois filmes Wicked.
Com ele, a Bruxa Má do Oeste ganhou um nome (Elphaba) e uma história de vida que gera empatia com uma personagem proscrita, tida como vilã por defender os menos afortunados.
A recuperação da bruxa como uma personagem incompreendida e as representações inspiradoras da cultura pop — como Samantha, de A Feiticeira, e Prue, Piper, Phoebe e Paige Halliwell, da série Charmed: Jovens Bruxas (1998-2006) — fizeram com que o chapéu cônico deixasse de ser tão sinistro.
E isso também se deve, em parte, ao estilista vencedor do Oscar de Wicked, Paul Tazewell. Ele reinterpretou aquele chapéu “hediondo”, como diz Glinda, para que refletisse melhor o relacionamento de Elphaba com a Terra.
“Ele traz reflexão e nostalgia, com uma silhueta reconhecida, mas transformada em algo próprio pela forma como se curva”, declarou Tazewell ao portal The Cut.
O estilista Paul Tazewell reinterpretou o “hediondo” chapéu de Elphaba para o novo filme Wicked: Parte 2
Universal
Com sua nova visão sobre o tema da bruxa malvada, Wicked pode receber o crédito de suavizar o assustador chapéu cônico. Afinal, como defende Laura Kounine, não há nada de inerentemente horripilante nele.
O chapéu de bruxa é apenas um objeto aberto a interpretações, que impregnamos ao longo de séculos de mitologia com um significado, que foi transmitido pela arte e pelas histórias. E o significado desses mitos se altera ao longo do tempo.
Pagãos contemporâneos consideram o chapéu como um condutor de energia. Já as crianças ainda clamam por ele na época do Halloween.
Na verdade, o chapéu de bruxa foi a roupa do Dia das Bruxas mais popular no Google em 2021, antes mesmo de surgir a fascinação por Wicked.
As xilogravuras, os retratos e os contos de fadas influenciaram a cultura material moderna do chapéu cônico. E, da mesma forma, sua versão atual ajudará a inspirar a compreensão das gerações futuras.

Mahmundi lança o álbum ‘Bem-vindos de volta’ com oito músicas inéditas e colaborações de Rico Dalasam e Maria Isabel Iorio
Roma Joana / Divulgação
♫ NOTÍCIA
♬ Bem-vindos de volta é um título adequado para o quinto álbum de Mahmundi. Como a própria artista enfatiza na apresentação do trabalho, o disco foi idealizado para reconectar a cantora, compositora e instrumentista carioca com a Mahmundi revelada em 2012 na cena indie com música ambientada em atmosferas eletrônicas solares.
“Estou voltando para esse cenário independente, sendo dona dos meus fonogramas, fazendo meu som. Bem-vindos de volta é um encontro comigo mesma”, sinteriza Mahmundi.
Na prática, a artista revisita synths, efeitos, batidas e texturas ao longo de oito músicas inéditas, gravadas em universo sonoro já conhecido por Mahmundi, mas expandido com camadas de trip hop e rock.
Gravado entre maio de 2024 e setembro de 2025, com produção musical e arranjos orquestrados por Adieu (guitarras, violões, baixos, beats e programações) com a própria Mahmundi, além da produção adicional de Pedro Lucas, o álbum Bem-vindos de volta foi antecedido pelos singles que apresentaram as músicas Irreversível (Mahmundi, Castello Branco e Pedro Lucas) e Macia Bahia (Qinhones) em abril e julho, respectivamente.
O produtor Iuri Rio Branco se junta ao time de colaboradores do álbum em Mapa mundi, faixa na qual pôs beats e programações, assinando a música com Mahmundi, Castello Branco e Pedro Lucas.
Já o rapper Rico Dalasam é parceiro e convidado de Mahmundi na gravação de O mundo pode esperar enquanto a poeta e escritora Marisa Isabel Iorio figura na música Saliva frisson e no interlúdio Você vai perguntar quem eu sou.
Em rotação desde sexta-feira, 28 de novembro, o álbum Bem vindos de volta tem como foco atual a faixa Falta, cuja composição é parceria de Mahmundi com o recorrente Pedro Lucas, também parceiro da artista música que encerra o álbum, Sobre os dias (Que bom que você veio).
Capa do álbum ‘Bem-vindos de volta’, de Mahmundi
Divulgação

Como começou história de Lázaro Ramos e Taís Araújo
O casal formado por Lázaro Ramos e Taís Araújo é um dos mais admirados do Brasil, mas a trajetória dos dois começou de forma inesperada, e com uma reviravolta digna de novela. Em participação no Globo Repórter – Personalidades desta sexta-feira (28), eles revelaram detalhes do início do relacionamento, que já dura 21 anos. Veja no vídeo acima.
Tudo começou com uma ajuda de Adriana Esteves, que Lázaro chama de “cúpida”. Foi ela quem o incentivou a ligar para Taís e se declarar.
“Eu falei: ‘Adriana, estou apaixonado por uma menina aí’. Ela perguntou quem era, e eu disse: ‘Taís Araújo’. Ela respondeu: ‘Você vai ligar agora e vai se declarar’”, contou o ator.
Nervoso, Lázaro fez a ligação e desligou rapidamente, mas a atitude foi suficiente para dar início à história.
Taís também lembra do primeiro encontro.
“Uma vez em uma conversa de camarim, eu falei: ‘ai, eu acho esse Lázaro Ramos uma graça, eu queria muito conhecer’. Aí a Liliana Castro, que é uma atriz, falou: ‘Lazinho é meu amigo.’ E aí chegou um dia, lá nos estúdios, ela falou: ‘Taís, eu quero te apresentar o Lázaro’. E eu fiquei morrendo de vergonha e eu fui muito antipática. Eu falei:’ oi, tudo bem? Como é que vai?’. Por pura timidez”, disse, rindo.
A declaração definitiva veio por meio de um telefonema de Lázaro quando Taís estava prestes a embarcar para Nova York.
“Ele falou: ‘Queria te dizer uma coisa para você pensar na viagem: estou apaixonado por você’. Eu vim no avião fritando. Pensei: ‘O que eu faço da minha vida?’, porque eu tinha um noivo, eu era noiva. E eu já estava completamente apaixonada por ele sem nunca ter dado um beijo”, revelou a atriz.
Ao voltar ao Brasil, Taís decidiu terminar o noivado.
“Quando eu cheguei no Rio, eu terminei o noivado na hora. Ai eu peguei o telefone e liguei para o Lázaro. Eu falei: ‘Já resolvi a minha situação, estou esperando você’. E é isso. 21 anos de casados”, contou.
Lázaro e Taís também decidiram adotar os sobrenomes um do outro.
“Achamos estranho só a mulher trocar o sobrenome e aí deu uma sensação para a gente de propriedade. Queríamos passar uma mensagem para o mundo: dá para construir um outro jeito de se formar uma parceria, porque casamento, para mim, é isso”, explicou Lázaro.
Hoje, após mais de duas décadas juntos, eles afirmam que a relação é feita de escolhas diárias.
“Ao longo desses anos, fomos mudando. Eu me reapaixonei pela nova Taís, e ela pelo novo Lázaro. Temos defeitos, mas escolhemos nos admirar”, disse o ator.
Taís completa:
“Sou completamente apaixonada pelo homem que ele se tornou e pelo pai que ele é”.
Taís Araújo conta como começou romance com Lázaro Ramos
Reprodução/TV Globo
Confira as últimas reportagens do Globo Repórter:

‘Descobri o preconceito quando saí daqui’: os lugares que marcaram Lázaro Ramos
Lázaro Ramos foi destaque no Globo Repórter – Personalidades desta sexta-feira (28). Durante o programa, o ator voltou à Ilha do Pati, na Baía de Todos os Santos, para revisitar memórias da infância.
“Minha família toda é daqui, meu pai e minha mãe são nascidos aqui, minha avó paterna morava aqui, meu avô paterno, meus primos todos. É onde meus pais se encontraram e por isso eu nasci”, contou.
O ponto alto da visita foi a soleira da porta da Igreja de São Roque, cenário de muitas lembranças para Lázaro.
“Aqui tem a melhor vista da ilha. Era o lugar onde a gente gostava de ficar para conversar. Sentávamos nesses degraus e a vida passava entre conversas e brincadeiras. Foi aqui que a gente imaginava o futuro”, recordou.
O ator destacou a forte presença da população negra na região.
“Na minha infância era literalmente todo mundo negro, menos Dona Duda que era rezadeira. Eu fui descobrir o que é racismo, preconceito, ao sair da ilha, ao ir para o mundo, ao tentar acessar outros lugares, que pareciam que não eram para mim. Aí eu fui entender, mas aqui eu vivi uma proteção e um amor e uma injeção de autoestima que foi importantíssimo”, afirmou.
Lázaro Ramos revisita lugares onde passou infância e adolescência na Bahia
Reprodução/TV Globo
Bairro do Garcia
Lázaro Ramos revisita lugares onde passou infância e adolescência na Bahia
A visita seguiu pelo bairro do Garcia, em Salvador, onde o ator deu os primeiros passos no teatro, ainda na igreja.
“Isso aqui para mim era um mundo”, disse.
Amigos de infância, como Ricardo “Cacá” Rodrigues, lembram do garoto criativo.
“Era sempre brincando por aqui, desde pequeno. Ele com essa veia artística dele, de sempre criar coisas, inventar. E a gente sempre ia falando assim, ‘rapaz, você tem futuro, viu?’”, contou.
Lázaro Ramos revisita lugares onde passou infância e adolescência na Bahia
Reprodução/TV Globo
Curso técnico e aulas de teatro
O Globo Repórter também visitou um outro lugar que marca um capítulo pouco conhecido na vida do Lázaro: a Escola Anísio Teixeira, onde ele cursou técnico em patologia clínica. A professora de parasitologia de Lázaro, Idalina Maria de Freitas, lembra quando ele quase desistiu de estudar e ela o incentivou a continuar.
“Um dia eu notei Lázaro muito triste na sala de aula. Eu fui lá e perguntei: ‘o que é que você tem?’ Ele disse: ‘eu vou deixar a escola, porque eu não tenho condição. Minha mãe está muito doente e meu pai precisa trabalhar e eu já estou na idade de ajudar a minha família, e eu vou deixar porque eu acho que não dou conta da escola e do trabalho’. Eu digo: ‘você dá. Você vai dar conta porque todo ser humano dá conta de trabalhar e de estudar. Por que você não pode? Você não é diferente de ninguém. Aí, de repente, no outro dia estava Lázaro aqui.
Foi nessa escola pública que Lázaro também pode fazer aulas de teatro.
“Eu tive coragem de falar que eu queria ser ator por causa dessa escola”.
Histórico escolar de Lázaro Ramos
Reprodução/TV Globo
Virada de página no teatro
A virada aconteceu quando amigos convidaram Lázaro para um teste no Bando de Teatro Olodum, no Pelourinho.
“Eu não queria ir porque a inscrição era R$5”, brincou.
Mas foi ali que Lázaro descobriu sua vocação:
“Quando vi aqueles atores, pensei: quero isso para a vida toda”, contou.
Lázaro Ramos revisita lugares onde passou infância e adolescência na Bahia
Reprodução/TV Globo
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Lázaro Ramos revisita lugares onde passou infância e adolescência na Bahia

‘Vi minha mãe tomar um tapa da empregadora’: Lázaro Ramos relembra episódio marcante
Durante participação no Globo Repórter – Personalidades desta sexta-feira (28), Lázaro Ramos falou sobre a mãe, Dona Célia, que faleceu quando ele ainda era jovem.
“Minha mãe trabalhava como empregada doméstica de domingo a domingo, não tinha folga”, relembrou Lázaro.
Lázaro contou que, em alguns momentos, quando visitava a casa da empregadora, ele ficava trancado em um quartinho.
“Minha mãe não podia comer carne no trabalho, era só ovo. Às vezes, quando eu estava lá, ela pegava um pedacinho de carne escondido para me dar”, disse.
O episódio mais marcante, segundo ele, foi presenciar a mãe sendo agredida.
“Eu vi minha mãe tomar um tapa da empregadora dela. Mas o que mais me marcou foi que, depois disso, ela entrou no quarto e me deu um sorriso. Essa mulher estava sempre querendo que eu voasse, não queria que eu estacionasse num lugar de sofrimento e dor”, afirmou emocionado.
Anos depois, já consagrado, Lázaro comprou o apartamento onde a mãe trabalhou.
“No começo achei que era por vingança. Fui guiado por um sentimento absolutamente humano de ver aquilo, ver que podia comprar e comprei”, contou.
O imóvel, no entanto, não ficou com ele:
“Num determinado momento falei: não quero ficar com esse apartamento, ele tem que ser doado. Encontrei uma instituição que acolhe pessoas resgatadas de trabalho análogo à escravidão e doei para eles.”
Célia, mãe de Lázaro Ramos
Reprodução/TV Globo
Veja a íntegra do programa no vídeo abaixo:
Confira as últimas reportagens do Globo Repórter:

Marcelo Jeneci lança o álbum ao vivo ‘Solo’, captado em show no Teatro Solar de Botafogo, no Rio de Janeiro (RJ)
Reprodução / Facebook Marcelo Jeneci
♫ OPINIÃO SOBRE ÁLBUM
Título: Solo
Artista: Marcelo Jeneci
Cotação: ★ ★ ★ 1/2
♬ Em 2001, ao lançar o álbum Cantigas de vaquejada, o cantor e compositor pernambucano Jorge de Altinho apresentou composição que se destacaria na obra autoral do artista, Fazenda Santo Antônio, flash nostálgico da infância vivida em Altinho (PE), munícipio do interior incorporado ao nome artístico de Jorge Assis de Assunção.
Paulistano que também viveu parte da infância em Pernambuco, Marcelo Jeneci entende e realça a melancolia entranhada nos versos de Fazenda Santo Antônio em belo e íntimo registro da música no estilo voz e sanfona. A gravação ao vivo é um dos destaques de Solo, sexto título da discografia iniciada por Jeneci há 15 anos com o estupendo álbum Feito pra acabar (2010).
Primeiro registro audiovisual de show do artista, Solo é álbum ao vivo conceituado por Jeneci como “um mergulho no som, no silêncio, em mim”.
Lançado ontem, 28 de novembro, o álbum Solo eterniza a performance de Jeneci como one man show, tocando todos os instrumentos (a sanfona e um arsenal de teclados) e cantando um repertório em grande parte composto pelo próprio artista, em apresentação captada no Teatro Solar de Botafogo, na cidade do Rio de Janeiro (RJ).
Fora do trilho autoral, além de Fazenda Santo Antônio, há somente Como dois animais (Alceu Valença, 1982), música desatentamente grafada em Solo com o título abreviado para Dois animais.
Ainda que as versões solitárias de canções autorais como Amado (Marcelo Jeneci e Vanessa da Mata, 2007) e Felicidade (Marcelo Jeneci e Chico César, 2010) – joia de leveza – percam no confronto com os registros originais de estúdio, é preciso louvar o artista pela performance de dez minutos que faz jus ao requinte da música Feito pra acabar (Marcelo Jeneci, José Miguel Wisnik e Paulo Neves, 2010), abordada no álbum homônimo com sublime arranjo orquestral.
Álbum amparado pela polivalência de Jeneci, Solo ainda tem o mérito de acrescentar duas músicas à discografia do cantor, compositor e músico. A chuva amplia a parceria de Jeneci com Arnaldo Antunes. Já Fome do metal, parceria com Jonas Sumaúma, parece assentada sob árido solo de sertão nordestino.
Enfim, o ideal é que um compositor do porte de Marcelo Jeneci estivesse lançando com regularidade álbuns gravados em estúdio com repertório autoral e com produção musical digna da grandeza da obra.
Contudo, o mercado é cruel. Tanto que o disco Solo chega ao mundo sem alarde fora do universo particular do artista. Mas merece ser ouvido. Nem que seja para aplaudir o mergulho interior de Jeneci na Fazenda Santo Antônio de Jorge Altinho.
Capa do álbum ‘Solo’, de Marcelo Jeneci
Divulgação

Capa do álbum ‘O legado’, de Marcelo Falcão
Divulgação
♫ OPINIÃO SOBRE ÁLBUM
Título: O legado
Artista: Marcelo Falcão
Cotação: ★ ★ ★
♬ Seis anos e nove meses após lançar um primeiro álbum solo em que mostrou pouco fôlego como compositor do repertório autoral, Marcelo Falcão apresenta o sucessor de Viver (Mais leve que o ar), disco lançado em fevereiro de 2019.
Em rotação desde quinta-feira, 27 de novembro, o álbum O legado chega ao mundo com marketing calcado na conexão do artista carioca com nomes da geração atual da música brasileira, como os rappers L7nnon, Major RD e Orochi – o que está longe de ser novidade.
No longo intervalo entre os dois álbuns, ampliado por rompimento no ligamento dos joelhos que fez Falcão cancelar grande parte da agenda de shows de 2025, o cantor e compositor carioca já veio fazendo feats com nomes como a rapper Cynthia Luz, presente em O legado na faixa Nunca esquecer você.
E o fato é que, para bem e para o mal, o álbum O legado já começa afinado com o antecessor Viver (Mais leve que o ar), como já mostra a primeira faixa, Refletir (Resista), parceria do artista com Ademir Custódio gravada por Falcão com Toni Garrido.
A pegada da faixa sinaliza que a produção musical, a cargo de Felipe Rodarte, mais uma vez resulta azeitada. Em contrapartida, como o título Refletir (Resista) já insinua, a letra-clichê alinha versos motivacionais como “Não desista sem tentar” e “Acredite nos sonhos”.
Contudo, à medida que O legado avança, fica evidente a ligeira superioridade do álbum em relação ao antecessor de seis anos atrás. “Só Deus pode me parar”, avisa Falcão em verso de Vitória (Gabriel Cunha, Kevin Ribas, Lula Queiroga e Marcelo Falcão), música produzida por Kevin Ribas. Primeira boa tentativa de Falcão de virar o disco, a faixa prega fé e união entre o povo das quebradas.
Parceria de Falcão com Lula Queiroga, Chora não escancara na sequência a dura realidade de mundo desigual, assunto dominante em Crença & fé, música composta e gravada por Falcão com o rapper L7nnon. Na faixa, produzida por Felipe Rodarte, o álbum O legado se firma como manifesto de fé e firmeza moral diante das adversidades e injustiças cotidianas.
Com 11 músicas, o disco está na calcado na sonoridade urbana das ruas, misturando gêneros com rap, rock e – no caso de Falcão – o reggae, ritmo embutido na gênese de faixas como A neblina (Marcelo Falcão), faixa cantada pelo artista com Tales de Polli, vocalista do grupo Maneva.
Saudade corrói (Marcelo Falcão e Tubarão Baixada) versa sobre a dor da ausência de alguém que já partiu, lembrando que o poder material desaparece com a morte (“Pra onde a gente vai não dá para passar cartão”) em ideologia reiterada na letra de Visitantes, parceria de Falcão com Ademir Cústódio. A música fala da transitoriedade do ser humano no mundo físico.
Aliás, a música-título Legado presta reverência à sobrevivência da Arte de Alexandre Magno Abrão (1970 – 2013), o cantor e compositor paulista conhecido como Chorão, cuja voz é ouvida na faixa através de sample extraído de registro inédito de O errado que deu certo (Chorão, Champignon, Marcão e Renato Pelado, 2004), música do repertório da banda santista Charlie Brown Jr. – da qual Chorão foi vocalista em trajetória paralela à carreira de Marcelo Falcão como vocalista da banda carioca O Rappa.
Como cantores dos grupos Charlie Brown Jr. e O Rappa, Chorão e Falcão se tornaram porta-vozes dos sonhos de uma juventude marginalizada pela sociedade brasileira por ter nascido pobre em regiões periféricas. A propósito, ter sido a voz do Rappa até 2017 torna Marcelo Falcão refém das cruéis (mas inevitáveis) comparações com o repertório lapidar lançado pela banda na fase em que contava com letras de Marcelo Yuka (1965 – 2019).
Entretanto, o tempo espera por ninguém e Falcão tenta pegar um lugar no presente com O legado, álbum no qual interage com os rappers Orochi (parceiro e convidado de Falcão e lobo) e Major RD, presente em Fela Kuti, faixa apresentada em 13 de novembro como primeiro single do álbum.
Produtor da maior parte das faixas de O legado, Marcelo Falcão apresenta um segundo álbum solo um pouco mais sedutor do que primeiro – este calcado em arranjos grandiosos que não conseguiram ofuscar a irregularidade do repertório autoral – mas ainda sem conseguir fazer a diferença como artista solo.

Capital Inicial lança o EP ‘Movimento’ com cinco músicas inéditas em seis faixas
Thiago Almeida / Divulgação
♫ OPINIÃO SOBRE EP
Título: Movimento
Artista: Capital Inicial
Cotação: ★ ★ 1/2
♬ Um dos grupos mais longevos do rock brasileiro, tendo sido formado em 1982 na atmosfera punk de Brasília (DF), o Capital Inicial tem se mexido sem sair do lugar. Pelo menos tem sido assim desde que a banda renovou e ampliou o público com álbum blockbuster da série Acústico MTV.
Ali o vocalista Dinho Ouro Preto e os irmãos Fê Lemos e Flávio Lemos – integrantes fundamentais do grupo que, a partir de 2002, passou a ser integrado pelo guitarrista Yves Passarel – encontraram fórmula que vem dando certo do ponto de vista mercadológico.
Tanto que, mal encerrou o ciclo de shows comemorativos dos 25 anos do álbum Acústico MTV (2000), o Capital Inicial já apresenta repertório inédito para se manter na estrada com show calcado nesse repertório higienizado para o padrão punk de origem, mas perfeito para quem curte rock feito com assepsia pop.
Movimento é o título do EP que aportou hoje, 28 de novembro, nos aplicativos de áudio, com cinco músicas inéditas em seis faixas e capa assinada por Perpettuo. A primeira música, Você me ama de verdade? (Dinho Ouro Preto e Alvin L), formatada com mix de guitarras elétricas e batidas programadas, reaparece no fim do EP em remix produzido por Doom Mix.
No texto enviado à imprensa musical para apresentar o EP Movimento, há ênfase em supostos riscos corridos pelo grupo. “É revigorante poder se arriscar por caminhos novos e parcerias inéditas”, vangloria-se o vocalista Dinho Ouro Preto, principal compositor da banda.
A “novidade” do EP estaria na conexão do quarteto com o produtor Douglas Moda (presente nas fichas técnicas de álbuns de cantoras como Iza e Luísa Sonza) e com Marcelinho Ferraz (este omitido nos créditos das seis faixas no Spotify).
A rigor, em que pese um ou outro timbre trazido pelos produtores, nada muda substancialmente na sonoridade do Capital Inicial. Longe de revisitar a origem punk da banda, como quer fazer crer o texto promocional sem assinatura, a banda continua transitando entre o rock, o pop e a balada com a assepsia habitual, moldada para os seguidores do quarteto.
Tangenciando tonalidade sombria, Mistérios – música composta e gravada por Dinho com Thiago Castanho, com Alvin L também na parceria – até tem potencial para crescer ao vivo e se tornar um hit do Capital nos shows feitos em arenas e festivais.
Contudo, é Liga pra mim – mais uma parceria de Alvin L com Dinho Ouro Preto – a canção (levada nos violões) que mais se afina com o repertório do Capital Inicial na fase pós-2000.
Também na típica linha pop rock da banda, Cores de maio é de autoria de Kiko Zambianchi, convidado da gravação. Cabe lembrar que Zambianchi é o compositor de Primeiros erros, canção de 1985 revitalizada pelo Capital Inicial no supracitado Acústico MTV.
Fechando a safra de inéditas do EP Movimento, há a reflexiva balada folk Sentido do fim, composição de Felipe Machado adornada com cordas na gravação do EP.
Enfim, o Capital Inicial não se move a rigor no EP Movimento porque quer se manter próximo do público que cativou nestes últimos 25 anos.
Capa do EP ‘Movimento’, do Capital Inicial
Perpettuo